Blair Witch, la secuela oficial de El proyecto de la bruja de Blair, arranca en el box office estadounidense en segunda posición, con cerca de 10 millones de dólares recaudados durante su primer fin de semana de exhibición.

La historia sigue directamente los hechos acaecidos en el filme de 1999.

Adam Wingard (responsable del regreso a Black Hills Forest) ha potenciado visualmente la cinta, con técnicas de grabación a 360º.

Las imágenes desenfocadas y los gritos en la noche hicieron de El proyecto de la bruja de Blair todo un acontecimiento cinematográfico en 1999, merced a no mostrar nada medianamente claro en pantalla y a confiar abiertamente en la sugestión de los espectadores, ansiosos por vivir una experiencia supuestamente terrorífica.

Con tales pilares activos, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez iniciaron una nueva manera de provocar miedo en las salas. Un estilo centrado más en el efectismo puro y duro, y no tanto en el derroche en efectos especiales. Fórmula que le valió a la pareja para entrar en las enciclopedias de séptimo arte, como los precursores de un subgénero que propició posteriores éxitos en la cartelera, tales como la franquicia de Paranormal Activity.

Después de diecisiete años del citado fenómeno -grabado con un presupuesto irrisorio-, Adam Wingard (Tú eres el siguiente) recupera la esencia del argumento original, para elaborar un filme notablemente diferente del orquestado hace casi dos décadas.

Aunque los parámetros iniciales son prácticamente idénticos (un grupo de jóvenes en un bosque, mucho susto movido por la cámara al hombro y tomas borrosas), este encuentro en pleno siglo XXI con la bruja de Blair expone un mayor esfuerzo desde el punto de vista de la producción. Algo que se traduce en mejores ambientaciones, diálogos más eficaces, interpretaciones menos improvisadas y mayores ambiciones audiovisuales.

BLAIR WITCH TODAVÍA CUELGA AMULETOS

La trama de la cinta entra pronto en materia. Tras la desaparición de Heather y de sus colegas en Black Hills Forest (Maryland), el hermano pequeño de ésta (James, encarnado por James Allen McCune) descubre un vídeo en el que se atisba la posibilidad de que la chica aún permanezca con vida.

Esperanzado por recuperar a su aventurera sister, el chaval parte para Maryland con un grupo de amigos, y con muchas ganas de esclarecer los misteriosos hechos de hace 17 inviernos.

Los vastos bosques de Vancouver, en Canadá, son los amenazantes escenarios por los que transcurre la pesadilla colectiva imaginada por el creativo Adam Wingard. Un decorado fantasmagórico, que gana enteros cuando se echa la oscuridad, engrandecido por su misteriosa atmósfera y por algún que otro espíritu siniestro.

La naturaleza y lo sobrenatural se convierten así en los principales aliados del director, para levantar horrores ancestrales entre la clientela del patio de butacas; siempre subido al carro de mostrar únicamente lo mínimo, con que desencadenar el griterío histérico de la concurrencia.

Método de elevado y probado contagio, que antes de El proyecto de la bruja de Blair ya había dado resultados sorprendentes en cintas tan recordadas como El exorcista (en esa ocasión, elaborado mediante fotogramas subliminales y sonidos a baja intensidad, convenientemente insertados entre las secuencias).

Sin embargo, la utilización hasta la saciedad de los artificios estéticos y técnicos de El proyecto de la bruja de Blair ha obligado a Wingard a buscar soluciones alternativas en su movie, publicitada como la secuela oficial de la cinta de 1999; y que anula la irregular y floja Book of Shadows (Joe Berlinger, 2000).

Unos ingredientes novedosos que tienen que ver sobre todo con la puesta en escena, y con la manera de grabar cada uno de los asesinatos y de las persecuciones contenidos en el largometraje.

Tal vez, con la técnica de 360º, ahora sí se pueda ver el rostro de la dichosa hechicera…

Nota.- Blair Witch llegará a los cines españoles el próximo 4 de noviembre.

Tráiler oficial de Blair Witch, por Lionsgate Movies

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Denzel Washington dirige y protagoniza la adaptación cinematográfica de Fences, la obra de teatro con la que August Wilson triunfó en Broadway.

La estrella de Grita libertad interpreta el mismo papel con el que arrancó ovaciones en el Cort Theatre de Nueva York, al lado de Viola Davis.

La trama de la pieza gira en torno a una desestructurada familia afroamericana de Pittsburgh, durante los años cincuenta.

Denzel Washington dirige su tercer filme, con la ventaja de conocer muy a fondo la historia de “Fences” como actor

En abril de 2010, el Cort Theatre de Broadway colgó durante semanas el letrero de entradas agotadas. En su interior, un trozo de Pittsburgh bullía a punto de fricción, a través de los intensos diálogos pensados en 1983 por el dramaturgo estadounidense August Wilson (Pittsburgh, Pennsylvania, 1945- Seattle, Washington, 2005).

Alimentado con las voces de Denzel Washington y Viola Davis, este reestreno orquestado por Kenny Leon asombró al público, por la aguerrida visceralidad de un relato sobre seres humanos traumatizados por las existencias malogradas, y heridos por el sinsabor de las derrotas sentimentales.

Washington dibujó a Troy con las líneas de un hombre con demasiados frentes abiertos, peleado con su rutina diaria y agotado por los futuros inexistentes. Junto a él, Davis compuso a Rose (la esposa de Troy) como una mujer acostumbrada a aguantar el carro de la comprensión absoluta, y martirizada por un esposo que había perdido la ternura para con los suyos.

Denzel Washington (en la foto) tomó el papel de Troy después de la recordada caracterización de James Earl Jones, en 1987

Tales estrecheces morales y familiares sumen a Fences en el abismo de los dramas asfixiantes, personalizados en un individuo que borra progresivamente su sentido de la empatía; y que es capaz de enterrar los sueños de su propio hijo, para evitar que éste caiga en los mismas trampas que hicieron de él un tipo amargado y disgustado consigo mismo.

DENZEL WASHINGTON, DELANTE Y DETRÁS DE LAS CÁMARAS

Ambientada en la América de la segregación racial de los años cincuenta, Fences comienza con el retrato en rojo y a oscuras de Troy: un antiguo jugador de béisbol que tuvo que dejar su pasión deportiva, tras ingresar en prisión por un asesinato accidental. La entrada en la cárcel acabó con la prometedora carrera de este hombre, quien -una vez cumplida su condena- intenta rehacer su vida junto a una fémina llamada Rose.

Fruto del matrimonio entre ambos nace un chico nominado Cory (Jovan Adepo), muchacho que alberga la ilusión de llegar algún día a ser jugador de profesional béisbol, como en el pasado fue su padre. Sin embargo, lo que el chaval no puede esperar es que su progenitor se erija como el principal obstáculo para cumplir su objetivo en la vida.

Denzel Washington demostró una gran sensibilidad para transmitir el texto de Wilson

Opresiva y sorprendente, Fences construye su curso narrativo en torno a las frustraciones de cada uno de los personajes que habitan el deprimido escenario, entre los que sobresale la participación del hermano de Troy: un exmilitar con problemas psicológicos, bautizado como Gabriel (Mykelti Williamson).

Estos elementos le bastan a Denzel Washington para montar su tercera película en calidad de cineasta, después de la más que notables Atwone Fisher (2002) y The Great Debaters (2007).

Un trabajo que además devuelve al intérprete neoyorquino las sensaciones inolvidables del vivo y el directo, y que le depararon los aplausos del respetable dentro de la sala del Cort Theatre, hace ahora seis años y algunos meses.

Denzel Washington y Viola Davis confeccionaron unas actuaciones memorables en el montaje teatral

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Johnny Depp se incorpora al estelar reparto de Murder on the Orient Express, en calidad de un misterioso hombre de negocios que resulta muerto.

El protagonista de Piratas del Caribe parece interesado en meterse en la piel del mismo personaje que encarnó Richard Widmark, en la oscarizada versión de 1974.

Kenneth Branagh dirige esta esperada película, donde el actor de Belfast también interpreta el papel del detective belga Hercule Poirot.

Johnny Depp (en la imagen) se ha reservado uno de los personajes más controvertidos del filme

Pese a que aún no se ha podido ratificar la participación de Angelina Jolie, la locomotora del casting de Murder on the Orient Express quema ya carbón a marchas forzadas, para componer un cuadro artístico capaz de exhalar polvo de estrellas por los cuatro costados.

Michelle Pfeiffer, Judi Dench, Derek Jacobi, Michael Peña… y los que todavía quedan por llegar. Kenneth Branagh va orquestando su particular acumulación de pesos pesados de la industria cinematográfica, con sosiego e inteligencia; para, por lo menos, emular al maestro Sidney Lumet, y a su inolvidable adaptación setentera de Asesinato en el Orient Express.

En 1974, Lumet consiguió meter en el mismo tren a iconos de la pantalla como Albert Finney, Anthony Perkins, Ingrid Bergman, Sean Connery, John Gielgud, Lauren Bacall, Wendy Hiller, Jacqueline Bisset, Michael York y Richard Widmark, entre los más famosos. Un plantel de iconos que le va a resultar imposible igualar al protagonista de Wallander, aunque el isleño sí promete apariciones sorprendentes de cara al público actual.

Kenneth Branagh (en la foto) es una de las razones por las que Johnny Depp ha mostrado interés en participar en la película

El responsable de Enrique V está estos meses en Londres en busca y captura de localizaciones para la cinta, mientras emite juicios respecto a los decorados que necesita para hacer verosímil la historia de Murder on the Orient Express. Tarea que el norirlandés compatibiliza con constantes llamadas telefónicas a USA, donde espera obtener el sí de alguna star de última hora que engrose el ya brillante cuadro dramático.

JOHNNY DEPP Y LOS NARCÓTICOS EN EL TÉ

Agatha Christie escribió Asesinato en el Orient Express dos años después del secuestro del hijo de Charles Lindbergh. Este suceso llenó las páginas de los rotativos mundiales en 1932, cuando el bebé del famoso aviador apareció muerto, tras su extraña desaparición. La investigación policial no pudo dar con los verdaderos culpables; e incluso, el hostigamiento a una de las criadas de la casa hizo que la joven se suicidara.

Semejante trama inspiró a la escritora británica experta en novelas de suspense, para imaginar una de las aventuras corales más angustiosas de su detective fetiche: Hercule Poirot. Experiencia sobre los raíles, en la que éste debía esclarecer un complicado caso de homicidio, con similitudes bastante marcadas con la mencionada tragedia de la familia Lindbergh.

Johnny Depp recupera el papel que hizo Richard Widmark, en la versión de 1974

Kenneth Branagh retoma la historia tal cual la redactó Christie, con los puntos oscuros y los giros que la dama de las letras ideó para causar el necesario impacto entre los lectores.

Según el guion elaborado por Michael Green, el argumento comienza con unas escenas nocturnas, en las que una banda de enmascarados entra en una mansión, para dirigirse a una habitación infantil. En el interior, uno de los allanadores se lleva al pequeño, mientras el crío duerme plácidamente en su cuna.

De ahí, la acción salta a la estación de París, en la que el Orient Express se prepara para iniciar su recorrido hasta Estambul. Dentro del convoy se encuentra un millonario americano, que responde al nombre de Ratchett (Johnny Depp): un tipo de agrio carácter, que consigue enervar incluso su flemático mayordomo británico.

Durante el viaje y de madrugada, el citado señor de negocios aparece muerto por causas violentas. Un hecho que llama la atención del detective/pasajero Hercule Poirot (Kenneth Branagh): quien debe resolver el homicidio antes de alcanzar Turquía.

La ambientación de la década de los treinta y el mobiliario modernista dotan de suficiente glamur a una crónica de etiqueta y misterio, en la que KB ha involucrado hasta ahora -además de a Johnny Depp– a Michelle Pfeiffer (Mrs. Hubbard), Judi Dench (Princesa Dragomiroff) y a Derek Jacobi (Edward Masterman), entre otros.

AGATHA CHRISTIE REPITE EN LA CARTELERA

Aparte de Murder on the Orient Express, la creadora de Miss Marple igualmente firma otro de los próximos estrenos de 2017: el de Crooked House (La casa torcida).

La película, dirigida por el francés Gilles Paquet-Brenner, sigue la investigación de un macabro asesinato: el de un millonario griego llamado Aristide (Gino Picciano). El enamorado de la nieta del finado será el encargado de aclarar el sanguinario crimen.

Max Irons encabeza el elenco, en la piel del joven detective Charles Hayward. Un trabajo en el que el vástago de Jeremy está secundado por Christina Hendricks (Brenda), Gillian Anderson (Magda), Glenn Close (Lady Edith), Terence Stamp (Inspector Jefe Taverner) y Stefanie Martini (Sophie de Haviland).

El imaginativo Julian Felowes es el responsable del inspirado guion.

Agatha Christie es igualmente la autora de otro de los estrenos de 2017: Crooked House

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Simon Baker ejerce como actor, productor, guionista y director en la adaptación al cine de la exitosa novela Breath, obra del oceánico Tim Winton.

La trama del filme gira en torno a la relación amistosa de un par de adolescentes con un apasionado del surf, el cual busca su ola soñada en la costa oeste de Australia durante los años setenta.

El intérprete de El mentalista abandona con este personal proyecto el silencio profesional que le ocasionó el final de la citada serie de la CBS.

Simon Baker (en la imagen) se sintió plenamente identificado con el libro de Winton

La mirada de Simon Baker se posa en la distancia, mientras el mar de la zona de Denmark bate con fuerza los recuerdos contenidos en las páginas de Breath.

Ante la fiereza del gran azul, cualquier objeto y propósito quedan sumidos bajo la deshonra de las derrotas navales; aunque en su evocación pervivan los fogonazos de las existencias sacadas a flote por el líquido elemento.

Una de esas tablas vitales, golpeadas por la sal y el alquitrán, es la de Bruce “Pikelet” Pike: un hombre de mediana edad quemado por la urgencia de la rutina, que acarrea un divorcio canoso y bastantes desasosiegos dentro de su ocupación como enfermero. Pero, cuando el tipo puede fumar un cigarrillo en penumbras, su mente viaja a Sawyer, donde experimentó los mejores momentos de su cuaderno de bitácora como ser humano.

Así es como arranca el guion elaborado por Baker, Peter Duncan, Gerard Lee y Tim Winton; el cual toma velocidad de crucero al retrotraer su curso a la década de los pantalones campana y las patillas interminables.

Simon Baker no pudo parar de leer el texto de Winton, cuando éste cayó en sus manos

A base de continuos flashbacks, Breath narra un argumento marcado por los sentimientos de varios personajes, ansiosos por escapar del aburrimiento: congelados todos ellos en un instante, donde la esperanza en los futuros halagüeños y diferentes no estaba sellada con la silicona de la realidad.

SIMON BAKER CABALGA POR EL AGUA

La impresionante costa oeste de Australia ha servido de gigantesco set de rodaje al alter ego del locuaz Patrick Jane y a su nutrido equipo, quienes han utilizado cámaras de todo tipo para recrear con sorprendente verosimilitud las secuencias de surf que pueblan el relato.

Subido a una tabla, Baker ha podido dar rienda suelta a su gusto por el deporte de las cabriolas sobre las olas, mientras expertos en la materia corregían algunos de sus errores a la hora de surcar las elevaciones marítimas.

Simon Baker da la réplica a los dos jóvenes actores que encarnan a los amigos protagonistas

Solo con la escenificación de ese extraño amor hacia el surf es como la estrella de El mentalista ha podido entender la manera de pensar de Bill “Sando” Sanderson: el atlético individuo al que caracteriza en la movie. El actor nacido en Launceston ha intentado mimetizarse completamente con este héroe de las extensiones oceánicas, al que no le va tan bien en tierra firma. Un amante de las sensaciones al límite que despliega su vena más afectiva tras el encuentro con Pikelet (Samson Coulter) y Loonie (Ben Spence), lo que cual hará que las cosas le vayan mejor durante un tiempo.

Concebido como un proyecto arriesgado (tanto a nivel profesional como personal), Baker ha asumido la gesta con el esfuerzo y la energía necesarios, para compatibilizar a marchas forzadas las labores de interpretación, guion, dirección y producción. Tareas en las que el actor de Margin Call ha contado con el apoyo de los jóvenes Samson Coulter y Ben Spence. Ejercicio revitalizador de la pareja artística al que SB suma la mayor y necesaria experiencia delante de las cámaras de Elizabeth Debicki, Richard Roxburgh y Rachael Blake.

Ahora únicamente falta que el gran azul de Patrick Jane no tumbe su lacada superficie de madera, pulida afanosamente con suspiros de ansiedad.

Simon Baker deseaba meterse en un proyecto enteramente australiano

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Stephen Frears acerca su cámara a los últimos años en la vida de la primera emperatriz del Reino Unido, dentro de la película Victoria and Abdul.

El filme narra la relación de amistad mantenida entre la anciana monarca y un joven secretario indio, llamado Abdul Karim.

El guion del largometraje está basado en la homónima novela publicada por la escritora Shrabani Basu.

Stephen Frears hace pública la peculiar historia protagonizada por la emperatriz de la India y uno de sus súbditos

Durante el jubileo de oro de la reina Victoria de 1877, un joven veinteañero recién llegado de Agra comenzó a trabajar en los salones palaciegos, al lado de otro compañero seleccionado para similares tareas, ambos en calidad de secretario personal de la gobernante.

El chico apenas sabía cómo moverse ante una señora de porte tan regio como el de su nueva jefa, pero poco a poco comenzó a ganarse el corazón de la mujer que detentaba el cetro de mando en Gran Bretaña, una fémina entristecida por la muerte de su compañero y sirviente John Brown. Con el tiempo, Abdul fue el bastón en el que se apoyó la crepuscular figura de la longeva reina, mientras la Corte asistía con cierta rebeldía y sorpresa a la confianza depositada por la sucesora de Guillermo IV sobre el muchacho procedente de la India.

Desterrado de los libros de texto por la acción de Eduardo VII, Abdul volvió a cobrar relevancia en las islas a través de la narradora Shrabani Basu, quien recuperó el tiempo que el chico de Agra y la esposa de Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha pasaron juntos, mientras el tablero de Europa se preparaba para recibir el convulso siglo XX.

Stephen Frears ha encargado la parte de Victoria a la veterana Judi Dench (en la imagen)

Stephen Frears leyó con apego e interés las páginas del texto de Shrabani, y fruto de ello surgió la idea de transformarlo en una emotiva película, al lado del guionista y dramaturgo Lee Hall (Billy Elliot).

Un proyecto que cogió forma definitiva tras la confirmación de Judi Dench, para el papel de la reina Victoria.

Actriz que ya dejó buena muestra de su virtuosismo a la hora de transformarse en la hija del duque de Kent y de Stratheam, en la oscarizada movie Su majestad Mrs, Brown (John Madden, 1997).

STEPHEN FREARS Y SU GUSTO POR LA CASA REAL

No hace ni once años, el director de Mi hermosa lavandería consiguió el aplauso internacional con The Queen: relato basado en la existencia familiar de Isabel II, y en el comportamiento de esta tras la muerte de Lady Di.

Especialista en captar los momentos íntimos de personajes tan carismáticos como el de la actual monarca británica, Frears no ha dudado en montar el retrato de Victoria de Sajonia-Coburgo-Saalfield con la perspectiva de la cercanía como brújula activa y sentimental, para lo que ha contado con el ingenioso fresco literario elaborado por Basu.

Stephen Frears ha querido exhibir la faz humana de la gobernante más carismática del Reino Unido

En Victoria and Abdul, el cineasta de Florence Foster Jenkins ha procurado preservar una intención de calidez, con el objetivo de conseguir que los espectadores vean a la emperatriz y a su súbdito como un par de colegas de charla diaria, a los que les agrada la compañía mutua: sin ceremoniales ni boatos, que enmascaren su cariño compartido.

Para lograr el citado efecto, SF adjudica el peso escénico a una dama de la pantalla como Judi Dench, y le deja absoluta libertad para que esta encarne -con la necesaria verosimilitud y mimetismo- a la longeva monarca. Como si se tratara de una falsa secuela de Su majestad Mrs, Brown, la antigua jefa de James Bond aborda el papel con la agrietadas junturas de una anciana necesitada de afectos, y perdida en una existencia sin momentos de divertimento, que se acerca a su eterno fundido en negro.

Dench es una de las opciones más adecuadas para recrear la mirada severa de mediáticas consecuencias, y conjugarla con la vivaz transparencia de alguien emocionado con su nuevo amigo, al que presta su físico el actor Ali Fazal (Fast & Furious 7).

El trabajo conjunto de los dos intérpretes permite virar al libreto del drama histórico a la comedia, mediante el toque distinguido de Frears.

No se sabe cómo concluirá la trama de Victoria and Abdul, aunque las enciclopedias sitúen la conclusión en el fallecimiento de la gobernante y en el destierro del joven secretario a su tierra natal. En este apartado es en el que la fantasía del cine puede transportar la mente de los espectadores hacia lugares inexplorados, mucho más lejos que lo que determinan los hechos acaecidos.

Ahí, dentro de ese paraíso de fotogramas, es donde reside la magia de las obras que refrescan los pasados añorados…

Nota.- El estreno de Victoria and Abdul está previsto para el 22 de septiembre de 2017.

Stephen Frears parece concebir “Victoria and Abdul” como una secuela no oficial de “Su majestad Mrs. Brown”

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Kit Harington protagoniza The Death and Life of John F. Donovan: el debut en el mercado anglosajón del director canadiense Xavier Dolan.

La película sigue la caída a los infiernos de una estrella de la televisión, cuando una publicación saca a la luz la correspondencia mantenida por el icono de la pequeña pantalla y un niño de 11 años.

Entre los nombres que reúne el nutrido reparto destacan los de Jessica Chastain, Susan Sarandon, Kathy Bates, Natalie Portman y Michael Gambon, entre otros.

Kit Harigton (en la imagen) se sintió rápidamente interesado por la estresante historia del filme

Pese a su juventud, Xavier Dolan es experto en deslizarse por temas controvertidos y candentes, con una agilidad y una precisión impropias en un tipo de veintisiete primaveras.

El también actor y guionista norteamericano así lo ha demostrado con las excelentes cintas Mommy y Sólo el fin del mundo. Una habilidad que el chaval nacido en Montreal pretende extender al mercado estadounidense con su primer guion escrito en inglés, titulado sagazmante The Death and Life of John F. Donovan (muy al estilo del emblema del mítico serial británico Caída y auge de Reginald Perrin).

Sin medias tintas que enturbien su acerada visión de las realidades que suele contemplar con su sensibilidad creativa, Dolan hace suya una trama de supuesta pederastia epistolar, mantenida entre un ídolo de masas y un crío de once tacos. Una relación de naturaleza cibernética y literaria, que remite a la comunicación sin roce de por medio, y carente de ternura presencial.

Xavier Dolan (en la foto) tuvo en la mente a Kit Harington desde que finalizó el libreto

La pregunta que sustenta la tesis del largometraje versa sobre si las confesiones albergadas en las frases manuscritas son suficientes motivos para acusar a alguien de perversión de menores, como es el caso del protagonista. Esta cuestión enciende la evolución temática de la impactante movie, que nació a través de un simple boceto elaborado a principios del 2000, tras la estrecha colaboración llevada a cabo por XD y su amigo Jacob Tierney.

Una idea que se transformó en proyecto, a raíz del interés despertado entre diferentes intérpretes de Gran Bretaña y USA, que sirvieron de avales para los estudios destinados a la financiación de la obra.

KIT HARINGTON SE AFEITA LA BARBA

Recién desembarcado de su caracterización como Fausto en la escena londinense, el célebre Jon Nieve de Juego de tronos adquiere la faz aniñada de John F. Donovan: un muchacho devenido en el chico de moda, merced a su participación en un serial de superhéroes de la pequeña pantalla.

Dentro de esa desmesurada admiración colectiva, un pequeño de Reino Unido se muestra particularmente hipnotizado por Donovan, lo que le lleva a escribirle una carta. El kid isleño de 11 años le cuenta al todopoderoso JFD que él también quiere triunfar en la escena, y le transmite con sinceridad sus miedos y ansias profesionales. La capacidad de expresión del nene es de una profundidad inaudita, y coincide con muchos de los sueños que tuvo que abandonar John en su ascenso a la cima.

Quizás por eso, el fan y la estrella comienzan a enviarse mensajes mutuamente, que revelan una amistad teñida de algo más.

El joven Ben Schnetzer (en la foto) encarna al niño una década después de los hechos vividos con el personaje de Kit Harington

El guion de Dolan y Tierney comienza con el otrora crío inglés con algo más de veinte tacos, cuando este recuerda lo que sucedió a comienzos del tercer milenio: momento en que se produjo el escándalo de los mensajes. El ya actor crecido se acerca a la existencia malograda de Donovan, y a lo que desencadenó la aparición de los textos intercambiados secretamente entre ellos.

La fuerza de los hechos narrados, y la manera en que la pareja de escritores toca el polémico argumento, llamó la atención del británico Kit Harington desde que el proyecto cayó en sus manos. Una situación similar a la que experimento Jessica Chastain, cuando Dolan le ofreció el personaje de la periodista que edita las misivas inculpatorias.

La contratación de Harington y Chastain favoreció a que la empresa se pusiera en marcha; tren al que se fueron subiendo algunos rostros conocidos, como los de Kathy Bates, Natalie Portman, Susan Sarandon, Michael Gambon, Thandie Newton y Ben Schnetzer (quien accedió  a su rol en sustitución de Nicholas Hoult).

Solo después de visionar en su totalidad el contenido de The Death and Life of John F. Donovan se podrá determinar la veracidad o no del aparente abuso intencional por parte de un adulto del mundo de la interpretación, para con un pequeño que únicamente sentía admiración hacia su ídolo.

Conclusión difícil de solventar con ligereza, ya que Dolan y Tierney se encargan de mantener la espadas de la reflexión bien altas…

Jessica Chastain interpreta a la periodista que destapa el secreto de John F. Donovan

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Amy Adams encabeza el elenco de la nueva película de Tom Ford: un intenso trhiller basado en la novela Tony & Susan, obra de Austin Wright.

La protagonista de La duda interpreta a una mujer con lagunas mentales, que se enfrenta a su propia existencia a través de un libro supuestamente de ficción.

Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson y Armie Hammer completan el cuadro artístico del filme.

Amy Adams (en la foto) se mete en la piel de una mujer con graves problemas afectivos

En la oscuridad, todos los gatos son pardos; o así lo dejan intuir los simpáticos felinos.

Cuando la luz se apaga, los sueños se transforman en realidades aparentes, y las sombras adquieren la corporeidad de seres humanos accesibles a las experiencias sensibles. Dentro de esos universos deformados por los recuerdos volátiles, es posible incluso vivir varias existencias a la vez; máxime si la persona desconoce cuáles son las coordenadas de su entorno habitual.

Con esos elementos, el profesor universitario Austin Wright construyó un libro extraño y desconcertante titulado Tony & Susan; en el que una fémina descubre que es capaz de exhalar el aliento de los personajes creados por su exmarido, todos ellos encerrados en las páginas manuscritas de su primera obra literaria.

Amy Adams leyó con ansiedad la envolvente novela de Austin Wright

Similar neurosis medioambiental a la descrita por Wright es lo que alimenta la traslación cinematográfica llevada a cabo por el texano Tom Ford.

El responsable de Un hombre soltero construye una pesadilla a varias bandas, en la que el influjo del estilo asfixiante de David Lynch está presente en cada plano y secuencia, como una amenaza que persigue al argumento orquestado en torno a dos relatos, que confluyen en los papeles de Susan Morrow (Amy Adams) y de Tony Hastings y Edward Sheffield (ambos con el físico de Jake Gyllenhaal).

AMY ADAMS EMBRUJA A LA CÁMARA

La mirada clara y la tez pálida de la actriz de La gran estafa americana adquieren tonalidades diferentes y desconocidas, frente a los cambios de comportamiento de la caótica y elegante Susan.

Ford deja que la intérprete nacida en Castle Rock guíe al espectador a través de los laberintos emocionales que atesora la protagonista de Animales nocturnos, y con su labor de perro lazarillo permite a los que visionan la movie hacerse una composición de lugar, manipulada por los rasgos casi metálicos de la musa estadounidense.

Jake Gyllenhaal (en la imagen) encarna al hombre al que Amy Adams busca con la psique alterada de Susan

Parapetada tras un rictus que rememora el de la diabólica Patricia Arquette de Carretera perdida, Adams ata bien corto la cámara, para que esta se convierta en la figurada retina del público.

De esta manera, la figura de AA ejerce de anfitriona absoluta en una historia que comienza con una realidad misteriosa: la de una señora llamada Susan, casada con un cirujano cardiovascular, que decide aceptar la invitación de su ex (Edward Sheffield) para leer la primera novela del hombre.

El texto se titula Animales nocturnos, y narra la pesadilla vivida por un individuo nominado Tony Hastings. En el argumento, este profesor sufre un trágico acontecimiento, cuando su esposa y su hija perecen víctimas de la violación y asesinato perpetrados por unos tipos con los que el teacher se había picado en la carretera. A partir de entonces, la venganza preside el día a día del destrozado maestro.

Conforme Susan devora el book, la gachí descubre que sus lapsos de memoria están íntimamente relacionados con lo que cuenta la obra de Edward Sheffield. Con lo que se plantea si lo que ella cree experimentar como la realidad es un simple producto de su falta de sueño y de su enfermedad mental, y lo que de verdad define su pasado es lo que está impreso en la obra.

Austin Wright explicó nada más editar Tony & Susan que lo que deseaba era que el lector hiciera su propia historia. Y parte de eso lo ha asumido el director Tom Ford, a quien le encantaría que cada espectador montara su largometraje, desde las piezas desordenadas aportadas por el guion.

Las sesiones de mecano empezarán en España el próximo 2 de diciembre, fecha fijada para el estreno en salas de Animales nocturnos.

Amy Adams y Jake Gyllenhaal destacaron la capacidad de Tom Ford para sugerir interpretaciones diversas a lo que ocurre en la pantalla

Tráiler oficial de Animales nocturnos, por Universal Pictures UK

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Rebecca Ferguson se enfunda la escafandra y el traje espacial para buscar rastros de vida alienígena, en Life.

El filme, dirigido por el sueco Daniel Espinosa, narra en clave de thriller los problemas de seis tripulantes de una nave, cuando éstos se topan con un ser amenazante.

Ryan Reynolds y Jake Gyllenhaal acompañan a la musa nórdica de Tom Cruise, con quien compartió títulos de crédito en Misión: Imposible- Nación Secreta.

Rebecca Ferguson (en la foto) encarna a una esforzada tripulante en la angustiosa trama de “Life”

 El planeta rojo, y los misterios que encierra bajo su superficie de óxido ferroso, es el tétrico leitmotiv de la nueva obra cinematográfica del escandinavo Daniel Espinosa: un trabajo que bebe su inspiración figurativa de filmes como Gravity y Marte, pero que igualmente despliega un argumento hermanado con los laberintos mortales de Alien, el octavo pasajero y Prometheus.

Ambientado en una estación espacial de composición internacional, el guion elaborado por Rhett Reese y Paul Wernick transmite la inquietante posibilidad de que los terrícolas no estén solos en el universo, y que otras formas de vida desconocida hayan podido desarrollarse en lugares tan inhóspitos como el cuarto planeta en orden de distancia al Astro Rey.

Jake Gyllenhaal acompaña a Rebecca Ferguson, en la peligrosa misión de “Life”

Asfixiante y sobrecogedora, la historia de Life eleva la gélida temperatura de un exterior caracterizado por la oscuridad eterna.

Un elemento telúrico que Espinosa explota voluntariamente, para generar el miedo esencial que preside cada escena del filme; y que puede concretarse en la pregunta: ¿qué pasaría si existieran alienígenas que no fueran precisamente amables con la raza humana?

REBECCA FERGUSON DEBUTA EN LA CIENCIA FICCIÓN

Después de robarle protagonismo al mismísimo Tom Cruise, en la quinta entrega de Misión: Imposible, la nórdica Rebecca Ferguson ha saltado a la palestra de las estrellas emergentes, con el beneplácito extra de ser considerada un cruce efectivo entre Lauren Bacall e Ingrid Bergman. Su excelente físico y su frialdad mediada con cierto deje de ternura la acreditan como la más indicada para recordar a las dos inolvidables damas del celuloide.

No obstante, aún es pronto para saber si esta mujer nacida en Estocolmo hace treinta y tres años posee el fondo dramático de ese dueto de iconos de la pantalla, o simplemente de uno de ellos. Aunque, a tenor de la agenda de la joven, lo que sí es seguro es que la actriz de La chica del tren está en un momento profesional realmente interesante.

Rebecca Ferguson puede convertirse en la primera pareja femenina de Tom Cruise en “Misión: Imposible” que repite en dos entregas seguidas

Un período de interpretaciones esforzadas que la heredera de los vikingos redondea con Life, donde toma la alternativa en el género de la ciencia ficción.

Mucho más efectista que la irrepetible novela Crónicas marcianas, de Ray Bradbury; la película orquestada por Espinosa se complace en flirtear con el terror galáctico, siempre disfrazado con la inevitable pátina de verosimilitud astrofísica, que se le suele exigir a toda producción de características más o menos consecuentes con la realidad.

Esta doble vía, definida por la mixtura de entretenimiento y perfección técnica, la asume el responsable de El niño 44 a través de un libreto cargado de secuencias de tensión, en las que Ferguson y sus compañeros de reparto (entre los que destacan Jake Gyllenhaal y Ryan Reynolds) dan muestras del completo entrenamiento recibido por personal de la NASA.

Con el atractivo innegable de las amenazas extraterrestres de índole expansiva, Life se suma a la galería de movies que han elaborado su temática en torno a los secretos que esconden las dunas marcianas, y cuyos contornos ya tocaron con resultados bastante irregulares Brian de Palma (Misión a Marte, 2000) y Anthony Hoffman (El planeta rojo, 2000).

Nota.- El estreno de Life está planeado para conmemorar el Día de los Caídos en Estados Unidos, que se celebrará el 29 de mayo de 2017.

“Life” llegará a las salas estadounidenses el Día de los Caídos, que se celebra este año el 29 de mayo

Tráiler oficial de Life, por SONY PICTURES ENTERTAINMENT

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Geoffrey Rush encarna al genial escultor y pintor suizo Alberto Giacometti, en el filme Final Portrait.

El oscarizado intérprete de Shine escenifica los últimos años en la existencia del inolvidable vanguardista, cuando abordó su último retrato.

Stanley Tucci dirige esta aproximación a la figura del creador nacido en Borgonovo, y firma también el guion: según la adaptación del ensayo biográfico Giacometti Portrait, del experto en Arte James Lord.

Geoffrey Rush (en la imagen) ha estudiado a fondo los usos y costumbres de Giacometti

En 1964, Alberto Giacometti era un hombre obsesionado con captar la esencia del ser humano en unas simples líneas, y hundirla dentro del barniz de la espátula y los músculos del plinto.

Así lo conoció el escritor James Lord, cuando el norteamericano recayó en el estudio del ilustre representante del Cubismo de formas inspiradoras. El objeto de la visita estribaba en que el estadounidense prestara su rostro para que el creador helvético elaborara un retrato, cargado con los grises del subconsciente más oculto.

Tras veintiocho sesiones de intensa relación mutua, la obra alcanzó su culminación definitiva; y de esas semanas surgió un libro, que Lord tituló Giacometti Portrait; donde el autor recogía cada momento experimentado al lado del que fuera amigo de Picasso y Miró.

Un diario de trabajo que el actor Stanley Tucci ha escogido para orquestar su nueva película, en calidad de director.

Geoffrey Rush ha confeccionado su caracterización según la guía contenida en el texto “Giacometti Portrait”, de James Lord

A través de las emocionadas palabras del también biógrafo de Balthus y de Picasso nacido en Nueva Jersey, el responsable de la excelente El secreto de Joe Gould imagina el mundo interior de un individuo privilegiado, aupado por unas lentes con las que veía más allá de las dimensiones marginadoras del común de los mortales. Un señor que causó admiración por su portentoso talento para construir estructuras de insondable energía vital.

GEOFFREY RUSH SACA AL GENIO DE LA BOTELLA

Londres se ha convertido desde hace algo más de un año en el cuartel general de Tucci y del resto del equipo de la película. Todo un grupo de especialistas en componer el rico universo de Giacometti, durante la etapa de latente ancianidad de éste: dos años antes de su prematuro fallecimiento, ocurrido a los sesenta y cuatro inviernos.

En medio de ese ecosistema de pasiones ubicadas en la geografía del lienzo, Geoffrey Rush recurre a las pulsiones desplegadas a lo largo de los veintiocho capítulos que contempla la obra de Lord, y que ST refleja con la sutileza de los amantes de las elipsis narrativas.

Geoffrey Rush asume el reto de intentar dibujar a Armie Hammer

Como si fuera una carta de despedida sin remite, Final Portrait comienza con Giacometti sumido en sus particulares luchas intestinas, destinadas a ahondar en su propósito curricular, diseñado en pos de reproducir el ánima de los modelos que se sentaban frente a él. El artista ya muestra signos de una salud algo fragmentada en el momento en que capta su realidad la cámara de Tucci, y en su faz reside el aliento de las eternidades anunciadas.

A este hombre es al que se acerca James Lord, quien había conocido a Giacometti en 1945. Ambos son amigos desde hace tiempo, y los dos dan su visto bueno a un trato que favorecerá a ambas partes. El escultor convence al norteamericano para pintarle un retrato diferente y atomizador (último trabajo del suizo antes de su muerte); mientras que Lord toma notas durante las sesiones, para exhibir en un libro la auténtica sensibilidad del creador suizo.

Tucci recupera ese pacto entre caballeros, y lo traduce al lenguaje audiovisual, con el propósito de ser fiel a las líneas maestras de la obra de JL; siempre pendientes en ofrecer una fotografía vívida del antiguo alumno de Antoine Bourdelle. A tal efecto, el cineasta estadounidense confía el peso del filme a un actor de naturaleza camaleónica y probada eficacia frente a papeles complicados, como es el australiano Geoffrey Rush.

El intérprete de Héctor Barbossa, de la saga de Piratas del Caribe, accedió a participar en el proyecto nada más leer el guion, ya que es un seguidor confeso del trabajo de Giacometti. A su lado, el espigado Armie Hammer (Mine) es quien encarna a Lord.

Los dos lideran esta aventura de trementina y carboncillo, en la que Clémence Poésy (Escondidos en Brujas), Tony Shalhoub (Monk) y James Faulkner (La sombra del muro) completan el elenco dramático.

Giacometti (en la foto) guardaba cierto parecido físico con Geoffrey Rush

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Olga Kurylenko se une al extenso reparto de la película que prepara el televisivo Armando Iannucci (Veep), sobre el fallecimiento del dictador soviético Iósif Stalin.

The Death of Stalin, que está siendo rodada entre Inglaterra y Francia, narra los dos intensos y angustiosos días tras los que las autoridades del país hicieron pública la muerte del líder comunista.

Aunque el guion sigue la homónima novela gráfica de Thierry Robin y Fabian Nury, los responsables del largometraje han extremado la verosimilitud para escenificar los hechos descritos en el argumento.

Olga Kurylenko (en la imagen) encarna en la película a la pianista Mariya Yúdina

El 2 de marzo de 1953, el brazo de acero de la represión soviética cayó al suelo (literalmente fue sobre la cama), víctima de un ataque al corazón. La conmoción ante los inesperados acontecimientos sembró el temor entre los miembros de su gobierno, y prendió la dacha del dirigente con la pólvora del nerviosismo reinante.

En una sociedad tan cerrada y dogmática como la creada por Iósif Stalin, cualquier cambio en la parte más elevada de su cúpula rectora olía a revolución inminente; y la tabla de la Guerra Fría no estaba -según el politburó– para iniciar la anhelada apertura, con la que soñaban los miles de presos políticos y de intelectuales eslavos.

¿Silencio o comunicación respecto a la defunción del aparentemente indestructible responsable de la Gran Purga? Tales diatribas de actuación enloquecieron a los que esperaron encerrados en la habitación del dictador de la Hoz y el Martillo, mientras preparaban una continuidad castrante, a base de encarcelamientos masivos en los gulag y de perseguimiento policial de cualquier brizna de disidencia con el régimen.

Olga Kurylenko ha destacado la imaginación vertida en el desarrollo de “The Death of Stalin”

Thierry Robin y Fabien Nury vieron las inmensas posibilidades dramáticas de esas horas de vacío, en las que la U.R.S.S. sufrió el abismo de la próxima libertad, recogido en la capilla ardiente del mandatario de los campos de trabajo perdidos en Siberia.

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Y, con semejante material, la pareja de dibujantes elaboró una novela gráfica, cargada de humor y de pretérito determinante: un volumen de ilustraciones fantasmagóricas, titulado The Death of Stalin.

El escocés Armando Iannucci devoró literalmente el cómic de Robin y Nury. Y con sus líneas narrativas escribió un guion -junto a David Schneider– que mezcla en dosis elevadas el rigor analítico, con una capa de fino humor polisémico y de sarcasmo medioambiental (elementos que también estaban presentes en las viñetas).

OLGA KURYLENKO Y LAS DESERCIONES RUSAS

El británico Adrian McLoughlin es el encargado de dotar de físico al moribundo Stalin, quien aparece en la trama casi de refilón (por lo menos, desde el punto de vista de los personajes vivos). Pese a que la presencia del dirigente de setenta y cuatro años se mantiene a lo largo de la acción como un espectro constante, los intereses fílmicos se centran en el backstage de la lucha por alzarse con el poder que éste deja vacante.

Algunos historiadores han apuntado que el hombre que ordenó el asesinato de León Trotski fue en realidad ejecutado con sutileza, por compañeros de su propio círculo político (tales como Beria). Pero Robin y Nury únicamente pasan de puntillas por semejantes sospechas, y prefieren quedarse con el surrealismo de posicionamientos y peleas, que se vivió en el Kremlin durante esas inciertas jornadas de 1953.

“The Death of Stalin” gozó de una acogida en librerías bastante notable

Iannucci toma el momento de la defunción de Stalin como si fuera una versión cosaca de la Casa Blanca: el escenario en el que el director se ha movido durante más de un lustro, como el cerebro de la serie Veep. Y nutre a la galería de personajes con un toque casi de vodevil, siempre marcados por un comportamiento tragicómico y de opereta contemporánea.

Entre la fauna existente en el libreto de The Death of Stalin, el espectador puede toparse con versiones más o menos acertadas de Vasily Stalin (Rupert Friend), Svetlana Stalin (Andrea Riseborough), Nikita Khrushchev (Steve Buscemi), Gregory Malenkov (Jeffery Tambor), Vyacheslav Molotov (Michael Palin), Lavrentiy Beria (Simon Russell Beale) y la concertista internacional Mariya Yúdina (Olga Kurylenko), entre los más destacados.

Un completo plantel de célebres luminarias que preside alguien de cuerpo presente: un señor con malas pulgas y mucho acero en su nombre, al que dota de físico el veterano Adrian McLoughlin.

Olga Kurylenko interpreta a una de las pocas personas que se atrevieron a proclamar su disidencia con Stalin, sin por ello ser ajusticiada

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Christopher Nolan viaja hasta el fatídico mayo de 1940, para grabar el momento en que las tropas británicas huyeron milagrosamente a su país, tras la ocupación de Francia por el ejército de Hitler.

Dunkirk es el título del ambicioso filme, que el responsable de Batman Begins está elaborando sobre el mencionado hecho desde la pasada primavera de 2015, inmerso en los escenarios naturales donde ocurrió la multitudinaria operación de salvamento militar.

Tom Hardy, Cillian Murphy, Mark Rylance, Kenneth Branagh y el joven Harry Styles (componente de la banda One Direction) conforman el nutrido elenco interpretativo.

Christopher Nolan ha querido contar con el menor componente de recreación digital posible

Pese a que han transcurrido más de setenta años desde entonces, todavía es imposible visitar Dunkerque sin pensar en el espectáculo dantesco que presentaba el lugar en 1940.

El cineasta Joe Wright lo escenificó perfectamente en la cinta Expiación (2007), cuando el personaje encarnado por James McAvoy vivía noches febriles y ansiosas, en espera del rescate destinado a trasladarle a él y a sus compañeros de armas a la añorada campiña inglesa.

Según las cifras oficiales, más de 200.000 soldados procedentes de Gran Bretaña pudieron salvarse ese día, junto a poco más de 100.000 franceses y belgas. Estas cifras -traducidas en combatientes- resultaron cruciales para mantener a raya la plaga expansionista y homicida del Tercer Reich en el Viejo Continente. Tal vez por eso, la operación que orquestó la evacuación fue bautizada por las autoridades de las islas como El milagro de Dunkerque.

El cineasta Christopher Nolan nació 30 primaveras después de ese “desastre colosal” en estrategia bélica (como lo calificó Winston Churchill en su momento), pero esto no le ha impedido acercarse a un acontecimiento trágico e inolvidable, que le ha venido obsesionado desde que era un simple escolar.

De esta manera, con la ayuda de su esposa -la productora Emma Thomas– el premiado creador de Origen se embarcó en 2015 con destino a las playas de Dunkerque, y allí sintió la inspiración natural para confeccionar una emotiva película; con la que pretende dejar constancia de los momentos de dolor y frustración que invadieron a los aliados, durante unas de las jornadas más duras de la Segunda Guerra Mundial.

Christopher Nolan ha querido montar un espectáculo visual de altura, por lo que ha usado cámaras de grabación IMAX, a 65 mm

Cientos de extras por los escenarios originales, barcos construidos en réplica de los que participaron en las tareas de salvamento, verosimilitud histórica y un cuadro dramático realmente admirable son los pilares que sustentan este trabajo del responsable de Interstellar.

Una esforzada obra, que resucita los horrores de la contienda alargada entre 1939 y 1945, y cuyas consecuencias dramáticas quedan expuestas en canal por la banda sonora del compositor Hans Zimmer (Gladiator) y la iluminación desplegada por el director de fotografía Hoyte van Hoytema (Spectre).

CHRISTOPHER NOLAN QUIERE VERACIDAD

Alentado por las crónicas relacionadas con la Operación Dinamo (organizada por el mariscal británico y comandante jefe de la Fuerza Expedicionaria de esa nación, John Vereker Gort), el autor de Memento dejó volar su imaginación a la hora de escribir el guion, para capturar la parte más humana de los hechos que ansiaba narrar.

Siempre espoleado por la obsesión de atisbar los rasgos desesperados de los militares, atrapados en esa tierra de nadie nominada Dunkerque (donde era posible escuchar, desde la madrugada a la noche, el llanto amargo de los moribundos), el creador inglés sometió el libreto a profundas y continuas revisiones, con el fin de dotar de alma a todos los personajes que pueblan el filme.

Christopher Nolan enfoca el guion desde el aspecto humano del drama vivido en Dunkerque

Tal propósito explica el intenso proceso de selección de casting llevado a cabo por los responsables de la producción, y que acabó reuniendo a muchas de las estrellas británicas que copan en estos momentos bastantes de los títulos de relevancia en las carteleras.

Tom Hardy, Cillian Murphy, Mark Rylance o Kenneth Branagh son parte de los nombres más potentes de un cuadro escénico extenso y variopinto; en el que también destaca la nada baladí colaboración de los debutantes Harry Styles (el cantante de One Direction no tuvo dudas en aceptar el ofrecimiento de Nolan, para encarnar uno de los papeles principales) y Fionn Whitehead (Him).

Siete décadas después de la Operación Dinamo, aún resuenan los ecos agónicos de los que no consiguieron subirse a los transportes marítimos, rumbo a Reino Unido. Canción de muerte que contó con el coro espectral de los cientos de caballos sacrificados sobre la arena congelada.

En mayo de 1940, un manto de sangre tiñó la playa de Dunkerque; y el mar cambió su color por el del rojo líquido de las vidas agotadas. Sensaciones que Christopher Nolan no ha querido olvidar, y que envuelven tétricamente cada una las secuencias de su nueva película.

Nota: Dunkirk tiene fecha de estreno, en USA, para el próximo 21 de julio de 2017.

Christopher Nolan ha confiado uno de los papeles principales al joven Harry Styles (cantante del grupo One Direction)

Tráiler oficial de Dunkirk, por Warner Bros. Pictures

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Jeff Nichols rescata en Loving uno de los hitos contra la segregación racial en la nación de las barras y estrellas.

El filme se ocupa de la cruzada real llevada cabo a finales de los sesenta por Richard y Mildred Loving, en pos de lograr que el Estado de Virginia reconociera su unión como marido y esposa.

Ruth Negga (Agentes de S.H.I.E.L.D) y Joel Edgerton protagonizan esta intensa historia, que recrea con contundencia y determinación un pasado del que sólo distan menos de cincuenta años.

Jeff Nichols graba el proceso que acabó con la aplicación del Acta de Integridad Racial, en Virginia

El amor no entiende de colores ni de nacionalidades.

Los seres humanos normalmente se dejan llevar por los sentimientos, para establecer en completa libertad con quién quieren compartir el resto de sus días en la Tierra. Algo que no era del todo posible en la América de la promisión y de los sueños a vista de estatuas centelleantes.

Hasta hace bien poco, los matrimonios interrraciales estaban prohibidos en muchos de los estados de USA, gravados con penas de hasta un año de cárcel, más sentencias adicionales de exilio obligado de hasta un cuarto de siglo.

Virginia era uno de estos lugares, donde los altares sólo respetaban la concordancia de la pigmentación cutánea. Y así se mantuvo, hasta que los Loving hicieron valer sus derechos de pasiones compartidas.

Jeff Nichols recupera la agonizante batalla emprendida por Richard y Mildred, cuando éstos tuvieron que acudir al Tribunal Supremo para que les reconociera su enlace matrimonial, en un sitio donde negros y blancos debían ir por caminos separados.

Jeff Nichols grabó la cinta en escenarios naturales de Richmond, Virginia

Al lado de Joel Edgerton (Richard) y Ruth Negga (Mildred), el responsable de Mud y Take Shelter monta un largometraje repleto de momentos especiales, que cobran mayor relevancia frente a la incertidumbre despertada por algunos mensajes de la futura administración de Donald Trump, sobre su política de inmigración y de consiguiente marginación racial.

JEFF NICHOLS HOMENAJEA A LOS HÉROES ANÓNIMOS

La historia de Loving arranca cuando Richard Loving, un trabajador de la construcción natural de Carolina, conoce a la bella y atrayente Mildred Jeter. Desde el instante en que ambos se ven, el flechazo surge de manera irremediable, pese a los problemas que una relación entre parejas con distinto color de piel les pudiera ocasionar.

Determinados a no ceder a las presiones del entorno, Richard y Mildred contraen matrimonio en Washington D.C., en 1958. Pero a su vuelta a Virginia comienza una persecución institucional, que acaba con el matrimonio arrestado y expulsado de su hogar por un período no inferior a 25 años.

Jeff Nichols presentó la película en el pasado Festival de Cannes

Lejos de sus amigos y familiares, Mildred ve un día por televisión un reportaje sobre la Marcha de los Derechos Civiles, y decide escribir una carta al entonces fiscal general Robert F. Kennedy, para explicarle su situación. Poco después de mandar la misiva, el hermano de JFK contesta a la mujer, y la insta a llevar su caso a la corte de Virginia.

Tras el interés mediático de la revista Life, y el trabajo conjunto del abogado Bernard S. Cohen; los Loving ganaron su demanda en el Tribunal Supremo, rompiendo por primera vez el acatamiento del Acta de Integridad Racial de 1924.

Nichols refleja cada uno de los pasos citados con un sentido humano del relato, en el que las interpretaciones de Joel Edgerton y Ruth Negga gozan de un protagonismo absoluto. Ellos componen un cuadro cargado de emociones sobrecogedoras, al que se suman las colaboraciones no menos importantes de Marton Csokas y Michael Shannon (el actor fetiche de JN).

Nota: Loving tiene previsto su estreno en España para el próximo 20 de enero de 2017.

Ruth Negga y Joel Edgerton, en un momento del filme

Tráiler oficial de Loving, por Focus Features

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Ryan Gosling y Emma Stone viven un musical con aroma a los clásicos del género, en el filme La ciudad de las estrellas.

El joven Damien Chazelle y su compañero de universidad Justin Hurwitz son los responsables de la traslación al lenguaje cinematográfico de esta romántica historia, que recuerda en su planteamiento a Los paraguas de Cherburgo, de Jacques Demi.

La cinta llegará a las salas de exhibición españolas el próximo 13 de enero de 2017.

Ryan Gosling protagoniza su tercer filme al lado de Emma Stone

Una urbe de Los Ángeles idealizada hasta en el asfalto, y un argumento compuesto por sueños animosos.

Estos son los ingredientes con los que el estadounidense Damien Chazelle (Whiplash) ha ensamblado el armazón de su nueva aventura en el séptimo arte. Aunque, hablar de novedad sea una manera algo falsa de referirse a La ciudad de las estrellas.

De hecho, el director y su compañero de estudios (el compositor de bandas sonoras Justin Hurwitz) tenían en mente escenificar el colorista amor de Sebastian Wilder y Mia Dolan desde el lejano 2010, cuando ambos ansiaban experimentar similares sentimientos a los que inspiraron el cerebro activo de Stanley Donen, cuando este ideó Cantando bajo la lluvia, en 1952.

La pareja de veinteañeros en ese momento era consciente de que el cambio de época hacía casi imposible una recuperación total de la atmósfera rectora del mítico largometraje de Donen; el cual recogía parte de las esencias de la serie de Melodías de Broadway, tamizadas por una concepción del star system ya perdido en el tiempo.

Pero la capacidad de Damien y Justin para despertar sensaciones pretéritas, a través de determinados guiños de actualidad, les insufló la energía suficiente para sacar adelante el proyecto de La La Land.

Ryan Gosling ha intentado no desafinar demasiado en sus números cantados

Con semejante propósito, y espoleados por el éxito de Whiplash, los dos muchachos se pusieron al habla con los productores, para vender su obra: un guion de romanticismo militante, en el que las canciones sirven para narrar un drama de alta sensibilidad amatoria, siempre acompañado por una querencia hacia el jazz, que responde a las obsesiones estilísticas de Chazelle.

RYAN GOSLING INTENTA NO DAR EL CANTE

Un aura a lo Ha nacido una estrella y New York, New York reside en los pilares de La ciudad de las estrellas. Ambientada en una city de Los Ángeles surcada por el glamur bohemio, cercano al París vanguardista; la movie se desarrolla con soltura en torno a la pasión desatada al primer flechazo entre una aspirante actriz que sirve cafés (Emma Stone), y un pianista que se gana los garbanzos animando las fiestas de los famosos (Ryan Gosling).

Tanto Mia como Sebastian son un par de seres con demasiadas metas por cumplir, sumidos en un mundo donde los cuentos de hadas se rompen con facilidad. No obstante, y pese a los tropezones existenciales, ambos poseen algo que le falta al común de los mortales: compartir la admiración superlativa del uno hacia el otro.

Ryan Gosling recibió clases de piano para hacer creíble su personaje

La música vuelve a ser el hilo conductor en el que se refugia Damien Chazelle, para elevar el discurso de su propuesta fílmica. Un recurso que ya le dio muy buenos resultados en Whiplash, aunque en esa ocasión se tratara de una relación tangencial con la estructura dramática, destinada a desbordar los acontecimientos albergados en la historia.

En esta ocasión, las melodías sustituyen en muchos instantes a las palabras; con lo que DCh atribuye a las partituras un protagonismo absoluto, en una línea similar a la utilizada por Baz Luhrman en Moulin Rouge.

Ante un reto tan peculiar, Ryan Gosling y Emma Stone no dudaron en someterse -previamente al rodaje- a una completa preparación mental y física, para no dar el cante frente a los números musicales. Ellos son los que sostienen el libreto con su verosimilitud a la hora de moverse, y de expresar emociones desbordadas a través de la voz y de las coreografías.

Un compromiso en el que también participan activamente J.K. Simmons, John Legend, Rosemarie DeWitt y Tom Everett Scott, entre otros.

Nota: La ciudad de las estrellas tiene previsto su estreno en España para el próximo 13 de enero de 2017.

Ryan Gosling nunca había interpretado un musical de estas características

Tráiler oficial de La ciudad de las estrellas, por Lionsgate Movies

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Jessica Biel y Patrick Wilson ponen rostro al disfuncional matrimonio Stackhouse, en el filme A Kind of Murder, cuyo guion se basa en la novela The Blunderer (El cuchillo, según el título que llevó en España), de Patricia Highsmith.

La trama narra el maquiavélico plan de un hombre para asesinar a su esposa, aquejada de una neurosis progresiva.

Andy Goddard dirige este thriller, ambientado en Nueva York durante la década de los años sesenta.

Jessica Biel está notablemente cambiada en su papel de Clara Stackhouse

Las parejas unidas por el vínculo marital se asemejan a los sobres lacrados, cuyos destinos solo son visibles una vez que se ha rasgado el envoltorio de las temporadas felices.

A cada hoja otoñal que cae, la desazón y el cansancio hacen gala como amargas zozobras existenciales, y el aguante resquebraja cualquier brizna de pasión pretérita. Ante esa acumulación de asunciones grisáceas, la convivencia sustituye poco a poco a la improvisación, y muchas veces se convierte en la tabla de salvación de los encantamientos juveniles.

Los Stackhouse han perdido hasta ese rincón de llantos silenciosos, que alberga todo hogar bendecido con un anillo y un beso en los labios. Las peleas y los malos momentos han enterrado la luz de una esperanza futura, y únicamente les mantiene unidos el miedo al abismo que supone la soledad. Sin embargo, ese sentimiento atroz a los infiernos de la unidad lo padece en mayor medida Clara: una mujer de heridas en la psique, que se aferra a su cónyuge a pesar de saber que él la aborrece.

Situación dependencia que Walter Stackhouse está dispuesto a romper, aunque sea asesinando a su enferma compañera de penas y alegrías.

Patrick Wilson (en la foto) es el marido de Jessica Biel en la ficción

Patricia Higsmith, con su capacidad natural para potenciar el lado oscuro de los personajes que moldeó con su pluma de advientos mágicos, redactó la malsana historia de los Stackhouse en su novela El cuchillo, que apareció publicada en 1954.

Nueve años después, el director francés Claude Autant-Lara llevó a cabo la primera adaptación del texto a la pantalla grande, con la película Le Meutrier.

Una actividad que ejerce nuevamente el británico Andy Goddard (The Level), quien ha tomado el argumento original para montar un thriller inspirado visualmente en las obras de Alfred Hitchcock, y que lleva el título de A Kind of Murder.

JESSICA BIEL VIVE UN INFIERNO

El glamuroso Nueva York de 1960 es la época que el nutrido equipo técnico y artístico de la cinta han reproducido con un toque a lo hiperrealismo estadounidense, sin olvidar las pinceladas amargas de los interiores poco halagüeños.

Goddard escenifica un mundo de colores fríos, como apagados por las depresiones medioambientales y los pensamientos homicidas. En definitiva, un cosmos que le va a la perfección a la faz del maquiavélico Walter Stackhouse (Patrick Wilson). Este arquitecto de éxito es un tipo anodino y extraño, que se muestra al inicio como una víctima en las manos de su desquiciada esposa: Clara (Jessica Biel).

Jessica Biel aparece como una persona a la que es preciso matar, según el pensamiento del papel de Patrick Wilson

Tras un affaire con una profesora (Haley Bennett), el constructor toma la decisión de librarse de su neurótica pareja conyugal. A tal efecto, el tipo idea un plan en el que involucra a Melchior J. Kimmel (Eddie Marsan): el dueño de una librería, que previamente había cometido el crimen de su esposa.

Estas líneas activas son las que comandan el guion escrito por la debutante Susan Boyd, quien carga la tensión dramática en el giro constante en la manera en la que los personajes son percibidos por los espectadores. Todo un tour de forcé emocional, donde los supuestamente malos resultan modificar su comportamiento conforme avanza el argumento; y los buenos se convierten en los demonios de la noche, que amenazan el buen funcionamiento de la sociedad.

Una fauna humana muy del gusto de Patricia Highsmith, a la que le privaba regar sus novelas con la salsa de las diferentes perspectivas situacionales.

Nota: A Kind of Murder llegará el próximo 16 de diciembre a las salas de USA.

Patrick Wilson intenta que se vea al papel de Jessica Biel como la causante de su fiebre asesina

Tráiler oficial de A Kind of Murder, por Magnolia Pictures & Magnet Releasing

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Casey Affleck viaja a Massachusetts, para encabezar el elenco de la segunda película con más candidaturas de cara a la próxima gala de los Globos de Oro (cinco, en total).

Manchester frente al mar es un filme construido a base de flashbacks, y de relaciones familiares marcadas por la separación y la ausencia.

El neoyorquino Kenneth Lonergan (Margaret) es el director de este drama, ambientado en Nueva Inglaterra.

Casey Affleck interpreta a un hombre sin alicientes en la vida

Cuando Lee Chandler (un vigilante en horas bajas) recibe la noticia de la hospitalización urgente de su hermano Joe, el hombre ya lleva en su mochila una larga lista de muertes dolorosas.

Años atrás, sus hijos perecieron en un incendio, sin que él pudiera evitar la tragedia. Semejante drama le ocasionó el divorcio de su esposa Randi, más un intento de suicidio. Desde entonces, Lee va dando tumbos de lugar en lugar, como un sonámbulo que prefiere percibir la realidad sin los recuerdos infernales de un pretérito irrecuperable.

Pero la Dama de la Guadaña vuelve a hacer acto de presencia en la figura del hermano del protagonista: un pescador al que le sobreviene un inesperado ataque al corazón. Esto provoca que el vigilante (ahora en paro, por una pelea con su jefe) tenga que acudir a Manchester (el de USA, no el de Inglaterra), para visitar a su brother; y, posteriormente, hacerse cargo del funeral.

Una vez en la citada localidad, el abogado de Joe le comunica a Lee que el fallecido le había nombrado tutor legal de su único hijo: un adolescente con actitud desafiante y desarraigo en las venas, llamado Patrick. Sin saber cómo enfrentarse a la nueva situación, el protagonista deberá recuperar su capacidad para sentir.

Casey Affleck (a la derecha) ha recibido una nominación al Globo de Oro como Mejor Actor Principal, en la categoría de Drama

Con semejantes ingredientes, el cineasta Kenneth Lonergan ha elaborado una cinta de alto contenido sensible, la cual ha conmocionado al jurado de los Globos de Oro, que ha elevado a Manchester frente al mar al honor de ser la segunda obra con más nominaciones para la futura gala del 8 de enero (solo por detrás del musical La La Land).

CASEY AFFLECK Y SU GUSTO POR LOS PERSONAJES HERIDOS

El frío congelado de Nueva Inglaterra sirve al responsable de Margaret para contar la historia de los Chandler. Pero lo hace como si se tratara de un rompecabezas, sin preocuparse de seguir una línea cronológica o de claridad meridiana. Esto responde a que el cerebro del protagonista es como una caldera en eterna ebullición, donde se cuecen toda clase de memorias teñidas de tenebrismo escénico.

Entre las imágenes que contempla la agonía diaria de Lee está la pérdida inolvidable de su familia, mientras que él es incapaz de acompañar a sus pequeños a un Más Allá que se le antoja demasiado lejano e inmanente.

Por eso, cuando la parca golpea nuevamente a este individuo, todo su pasado regresa como un torrente de emociones contradictorias.

Casey Affleck tiene que hacerse cargo de su sobrino adolescente, interpretado por Lucas Hedges

Kenneth Lonergan construye el relato en torno a la actitud de aparente indiferencia en la que Casey Affleck sumerge al personaje de Lee. El actor de Adiós pequeña, adiós se mete -sin red ni chaleco salvavidas- en la psique rota de un tipo con heridas profundas e insondables. Y de su exploración saca un retrato alimentado por atmósferas grisáceas, en las que la depresión reinante es como la vitamina que activa su cuerpo.

Al lado del hermano pequeño de Ben “Batman” Affleck, el joven Lucas Hedges (quien encarna al sobrino de Lee, el peculiar Patrick) se une a los más fogueados Michelle Williams, Gretchen Mol, Kyle Chandler y Matthew Borderick, quienes ayudan a dotar de verosimilitud humana al cuadro colectivo, el cual se crece en las distancias cortas.

Nota: Manchester frente al mar llegará a las salas españolas el próximo 13 de enero de 2017.

Michelle Williams encarna a la exmujer de Casey Affleck: una fémina rota por la tragedia, llamada Randi

Tráiler oficial de Manchester frente al mar, por Universal Pictures Australia

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Eva Green es la misteriosa L., en el filme D’après un histoire vraie.

La película, que cuenta en la dirección con Roman Polanski, es la adaptación de la novela Basada en hechos reales, de la escritora Delphine de Vigan.

Emmanuelle Seigner (pareja en la actualidad de Polanski) y Vincent Perez completan el reparto de esta intensa reflexión sobre la realidad y la ficción.

Eva Green interpreta a una seductora mujer, que enciende la inspiración de la protagonista

Los mecanismos de la creatividad son extraños y caprichosos.

Las mejores ideas pueden surgir en buhardillas atenazadas por el frío, y negar su presencia en salones de suaves terciopelos y mobiliario regio. De esta manera, es incluso posible afirmar que los hilos de la genialidad desperezan con mayor determinación sus extremidades celestiales a la intemperie rabiosa de la privación, antes que espoleados por la aceptación vanidosa de los objetivos conseguidos.

Delphine está viviendo uno de esos momentos de huida de las musas, provocado por la modificación de las condiciones laborales habituales. La mujer se encuentra en uno de esos instantes existenciales, en los que la vacuidad social le permite aventurarse únicamente a riesgos de cartón piedra.

En la rutina de esta exitosa escritora ya no hay nervios ni ansiedad por encadenar palabras, sino espera y aburrimiento disfrazado de felicidad.

Dos hijos a punto de terminar con su adolescencia, un amante con el futuro resuelto y muchas seguridades han ocasionado que el temor de la página en blanco se haya convertido en un amigo fiel de la responsable de Nada se opone a la noche. Una situación de colapso profesional que conseguirá revertir una fémina seductora, elegante y misteriosa, llamada L.; quien aparece en el cosmos de Delphine, con las credenciales de una narradora destinada a redactar lo que otros firman.

Eva Green nunca había trabajado antes con Roman Polanski (en la foto)

Este es el argumento que mece el suspense atrayente de D’après une histoire vraie, movie que dirige durante estos meses el veterano cineasta Roman Polanski (quien el verano pasado apagó las ochenta y tres velas de su tarta de aniversario).

El guion elaborado por él mismo, y por el reputado Olivier Assayas (Viaje a Sils Maria), dota de singular proyección dramática al texto de la novela Basada en hechos reales, ideado por la autora francesa Delphine de Vigan.

EVA GREEN Y SUS ARTES PARA ENAMORAR A LA CÁMARA

Los primeros planos, y los decorados sombríos y enigmáticos, son elementos indispensables que el maestro de Repulsión orquesta durante estos meses al lado de su equipo, para generar la atmósfera destinada a encuadrar la ambientación del largo. Universo colectivo, que envuelve las complicadas cabalgaduras entre realidad y ficción descritas por el relato.

Abiertamente autobiográfico (la protagonista se llama incluso Delphine, como la responsable de la novela), el libreto demuestra progresivamente que las certezas comienzan a desvanecerse conforme avanza la trama, asunto que transforma la pantalla en una especie de alucinación programada.

En este terreno de sueños discordantes, el personaje de L. resulta especialmente determinante, como catalizador de los pensamientos más ocultos de D; y que revierte en una vertiginosa espiral de acusaciones, respecto a la falta de originalidad de las ideas de la writer.

Delphine de Vigan dotó de un especial magnetismo al personaje de Eva Green

Polanski, experto en construir espacios amenazantes a partir de las situaciones más cotidianas, da el toque siniestro a un argumento que sugiere una completa sumisión del papel principal encarnado por Emmanuelle Seigner, a cargo de la joven a la que caracteriza Eva Green. Planteamiento que puede recordar, a grandes trazos, al diseñado por Joseph Losey, para El sirviente (1963).

Junto a la hechizadora Green, la citada Seigner (como la confusa Delphine) y Vincent Perez (François) colaboran a que los espectadores viajen por los senderos morales y éticos más recientes de uno de los últimos creadores cinematográficos de las vanguardias europeas.

Más de cinco décadas tras las cámaras suponen un aval suficiente para estimular la confianza…

Emmanuelle Seigner (en la imagen) es quien da la réplica a Eva Green en el filme

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Liam Neeson repite experiencia cinematográfica con el barcelonés Jaume Collet-Serra, en el filme de vertiginoso desarrollo titulado The Commuter.

El guion, elaborado por Byron Willinger y Philip Blasi, gira en torno a una misteriosa conspiración criminal, en la que se ve envuelto un ingenuo hombre de negocios.

Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, Elizabeth McGovern y la madrileña Clara Lago también colaboran en esta trepidante cinta.

Liam Neeson (en la foto) tiene que resolver un complot asesino a bordo de un tren

Sobre los raíles y a gran velocidad, parece que los cerebros homicidas suelen ponerse en funcionamiento muy a menudo.

Alfred Hitchcock fue uno de los primeros en ver el potencial cinematográfico de tales medios de transporte, y los utilizó para generar más de un respingo en la butaca, con historias tan absorbentes como La dama del expreso y Extraños en un tren.

El tiempo transcurrido ha hecho que los vagones ya no gocen de ese componente romántico, que tenían para el mago del suspense; aunque, en cuestión de despertar el ansia psicópata de los criminales más variopintos, la cosa sigue más o menos inalterable.

Uno de los últimos directores en desafiar el traqueteo de uno de estos convoyes, para orquestar un desenfreno de sangre y golpes, ha sido el efectivo Jaume Collet-Serra, quien ha escogido un trayecto aparentemente rutinario con el fin de mostrar un viaje hacia lo desconocido, siempre con el espectáculo balístico por bandera.

Liam Neeson se siente muy cómodo bajo las órdenes de Collet-Serra

A medias entre Estados Unidos y los Pinewood Studios de Inglaterra, el creador español monta un largometraje con el que pretende dejar sin respiración a los espectadores durante cerca de dos horas, y donde Liam Neeson ejerce de héroe anónimo (esos tipos que suelen dar excelentes resultados en pantalla, y que -a su manera- contribuyeron a realzar actores de la talla de Gary Cooper y James Stewart).

LIAM NEESON ES EL NUEVO CHICO DEL TREN

Todavía no hace ni un año, desde que Tate Taylor ilustrara al personal acerca de los peligros de viajar sobre las vías urbanas. Lo hizo a través del filme La chica del tren, y lo que mostró fue cómo uno de estos transportes puede sustituir incluso al psiquiatra más avezado.

Collet-Serra no va tan lejos como su colega, y se contenta con albergar en los vagones de un convoy la odisea de un vendedor de seguros, cuando éste se ve obligado a seguir las directrices de un maquiavélico hombre en la sombra. Un killer que amenaza con acabar con la vida de todos los pasajeros, si el protagonista no hace que le pide.

Liam Neeson rodó sus escenas en Inglaterra

Pero, ¿qué es lo que le exige el terrorista? Por lo que ha trascendido a la Prensa, algo relacionado con el encubrimiento de un viajero. No obstante, el propósito de esa actuación misteriosa y un tanto extraña forma parte de lo que el director español se guarda en la manga, por lo menos hasta el estreno del largo.

Con Liam Neeson al frente del elenco (y su reciente capacidad profesional como intérprete de obras de acción desenfrenada), la película se introduce en un crescendo de giros dramáticos y de sorpresas rocambolescas, a través de las que los espectadores se involucran en la carrera contrarreloj del vendedor de seguros llamado Michael.

Vera Farmiga, Patrick Wilson, Sam Neill, Elizabeth McGovern y Clara Lago también tienen asientos reservados en esta aventura sin freno de mano; la cual estará en las salas el próximo mes de octubre de 2017.

Liam Neeson es ahora uno de los héroes de acción más cotizados en el panorama cinematográfico internacional

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Pharrell Williams firma la banda sonora del filme Figuras ocultas (Columbia Records/ Sony Music Entertainment), junto a Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch.

El autor de Happy escribe un puñado de canciones ágiles y bailables, que recrean el ambiente soul y jazzístico que encuadra la película dirigida por Theodore Melfi.

Entre los temas más efectivos del álbum se encuentran el aeróbico Runnin’, la balada Isn’t This World (interpretada por Janelle Monáe) y el himno con ribetes de góspel titulado I See A Victory (entonado por Williams y Kim Burrell).

Pharrell Williams se involucró de lleno en la historia que cuenta “Figuras ocultas”, película en la que también ejerce como productor

Hace cuatro años, Pharrell Williams pisaba la alfombra roja en la gala de los Oscar, como nominado por el tema Happy (aparecido en la B.S.O. de Mi villano favorito 2). Tras el pelotazo internacional que supuso la citada trova, el público comenzó a localizar en el mapa musical a este hombre nacido en Virginia, poseedor de un talento especial para diseñar los acordes más enérgicos y las letras más coreadas.

No obstante, mucho antes de la mencionada ceremonia cinematográfica, el virginiano ya había saboreado el éxito en la sombra creativa, al lado de artistas como Michael Jackson, Madonna y Kylie Minogue.

Pero el famoseo de garrafón es lo que tiene, que solo cuenta lo realizado a partir del protagonismo de masas, desencadenado normalmente tras aparecer en pantalla como el genio absoluto de un hit de altura planetaria.

Pharrell no acredita una voz portentosa, ni siquiera sus arranques tonales son especialmente deslumbrantes; pero sabe cuándo algo funciona y cuándo no. Una capacidad que le ha allanado parte del camino en el circuito de las ondas.

Virtud que queda sobradamente expuesta en su nuevo trabajo: la banda sonora de la movie Figuras ocultas.

Pharrell Williams reventó las listas de éxitos con “Happy”, del disco “Girl”

Los diez cortes que completan el disco suponen una invitación descarada hacia las atmósferas desenfrenadas, pasadas de revoluciones festivas y de batallas por lograr la igualdad social en cuanto a derechos.

Estrofas se narran con imaginación las vicisitudes de las tres mujeres afroamericanas que, con sus cálculos matemáticos, facilitaron la carrera espacial en USA.

PHARRELL WILLIAMS SE REFUGIA EN LOS AÑOS SESENTA

La época de la lucha contra la segregación racial en la nación de las barras y estrellas, con Martin Luther King y John Fitzgerald Kennedy como motores de los cambios, es el escenario donde transcurre la trama de Figuras ocultas, y es asimismo el decorado que inspira las secuencias sonoras ideadas por Williams.

Amante y conocedor de los míticos adelantos perpetrados por la Motown, el artista de Virginia Beach despliega el tarro de las esencias, a través de fábulas sinfónicas entre el jazz y el soul, siempre equipado con su innegable sentido del ritmo contagioso y globalizador.

Pharrell Williams presentó la banda sonora en un directo celebrado el pasado septiembre, en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en Canadá

Así se desprende del eufórico crescendo de Runnin’ (song que se convirtió en el primer sencillo del CD), y continúa con singular aplomo por las percusiones de Able y los acordes envolventes de Crave. En todos esos tracks, PhW ejerce como un anfitrión expresivo y elocuente, encargado de montar atmósferas brillantes con las matemáticas y las ciencias aeroespaciales como elementos generadores.

Un papel a lo maestro de ceremonias de Cabaret, que el estadounidense entrega a sus colaboradores en cuanto tiene ocasión, y que regala a la excelente Janelle Monáe uno de los mejores temas del álbum (Isn’t This The World); sin por ello menospreciar la trepidante actuación de Alicia Keys, al frente de la desbocada lírica titulada Apple.

El final a lo góspel existencial (I See A Victory) deja constancia de la coherencia atmosférica de esta banda sonora, que emite perfume de reivindicación social; a la vez de cumplir con creces su misión de ilustrar la historia de Katherine Johnson (Taraji P. Henson en el largo), Dorothy Vaughn (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Monáe, en su debut como actriz).

Unos logros que, por el momento y en espera de la lista de los Oscar, han otorgado a Pharrell Williams una merecida nominación a los Globos de Oro.

Nota: Figuras ocultas llegará a las salas españolas el próximo 20 de enero de 2017.

Pharrell Williams ha captado la época en la que transcurre “Figuras ocultas”

Audio oficial de Runnin’, por PharrellWilliamsVEVO

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Carrie Fisher falleció ayer en un hospital de Los Ángeles, tras no superar el ataque cardíaco que sufrió en un vuelo hace unos días.

La actriz había regresado a la actualidad cinematográfica con el estreno de la nueva saga de Star Wars, producida por Disney y diseñada por la mente fetichista de J. J. Abrams.

Antes de morir, la hija de Debbie Reynolds pudo finalizar su participación en el noveno episodio de La guerra de las galaxias, ataviada como una Princesa Leia con legañas de pasados gloriosos y añorados.

Carrie Fisher estuvo siempre perseguida por el éxito de su personaje en “Star Wars”

Nada más conocerse la triste noticia de la defunción de Carrie Frances Fisher, sus amigos y familiares se lanzaron a las redes sociales para recordar a una mujer a la que nunca se le permitió envejecer, ni siquiera experimentar metas profesionales alejadas del universo ideado por George Lucas.

Pese al indudable talento de la actriz, y de poseer una sonrisa de las que mueven a empatizar sin reservas, Hollywood siempre se mantuvo esquivo frente a una chica que había triunfado en un género (la ciencia ficción de efectos especiales y poca base astronómica) bastante ninguneado por la industria del celuloide, sobre todo en cuanto a reconocimientos artísticos.

Quizá por semejante causa, y por los problemas personales que acarreaba desde que era una niña, Carrie no logró alcanzar la cima del éxito. Y eso que sus progenitores eran los populares Eddie Fisher y Debbie Reynolds.

La carrera de la intérprete estadounidense está trufada de colaboraciones como secundaria, en la mayoría de las ocasiones perpetradas con ligeros apuntes asociados con Leia Organa. Una alargada sobra galáctica que, salvo en la escritura de guiones y novelas, eclipsó el potencial creativo de esta dama de melena cobriza y ojos vivarachos.

Sin embargo, a la intérprete californiana no parecía molestarle reconocer que su mayor gesta audiovisual había estado esposada al papel de la líder rebelde, otorgado por George Lucas en Star Wars.

Fisher afirmó hace unos meses que se lo había pasado en grande durante la grabación de La guerra de las galaxias, El imperio contraataca y El retorno del jedi. Motivo suficiente por el que esta señora criada en los escenarios no dudó en aparecer en las nuevas películas de la serie, imaginadas por J.J. Abrams; aunque, con su decisión, la hija de Debbie demostró más interés por volver a coincidir con sus amigos de toda la vida (Harrison Ford y Mark Hamill) que en inmiscuirse activamente en un blockbuster muy alejado del espíritu de las cintas originales.

Carrie Fisher fue escogida por George Lucas con apenas veinte años de edad

Tras el triste desenlace conocido ayer por la noche, es justo refrescar una lista de películas donde el criterio establecido se centrara en valorar el trabajo del alter ego real de la Princesa Leia.

Tal vez así, los responsables de los grandes estudios de la Meca del Cine se darán cuenta, aunque tarde, de lo que se han perdido.

CARRIE FISHER EN SUS MEJORES MOMENTOS

El imperio contraataca (Irvin Kershner, 1980)

Probablemente, este filme sea el más conseguido de los tres que componen la primera trilogía de Star Wars. Fisher otorgó a Leia una dimensión romántica, que alimentó ostensiblemente la leyenda de su papel como heroína para generaciones enteras.

La escena del beso -furtivo y apasionado- entre ella y Han Solo es una de las más potentes de la saga.

La guerra de las galaxias (Una nueva esperanza)

Fue el bautismo de masas para la hija de Debbie Reynolds. Una oportunidad que la fémina nacida en Beverly Hills no desperdició, pese a su juventud.

Con la confianza de George Lucas, Carrie compuso una caracterización que se alejaba del tradicional esquema de chica en apuros, a la que hay que salvar de los peligros; estereotipo que dominaba el cine de acción en esa época.

Hannah y sus hermanas (Woody Allen, 1986)

Fisher no se arrugó lo más mínimo al trabajar a las órdenes del responsable de Manhattan. Y, aunque su parte no duraba mucho tiempo en pantalla, demostró unas inmejorables tablas al dar la réplica a un reparto en el que era fácil quedarse a medio gas, o pasar desapercibida.

Granujas a todo ritmo (John Landis, 1980)

Armada y peligrosa, la californiana sacó de dentro la vena psicótica alojada en lo más profundo de la nobiliaria Princesa Leia.

Viendo cómo se implicaba en persecuciones demenciales, solo se puede constatar que Carrie estaba genial; y que bordó su papel de violenta asesina, que persigue a John Belushi y a Dan Aykroyd con balazos y bombas de por medio.

Cita con la muerte (Michael Winner, 1988)

No era una superproducción como la saga de La guerra de las galaxias, pero esta adaptación de la homónima novela de Agatha Christie regaló a CF una colaboración de altura, con peso específico en la trama.

Su historia de amor prohibido y adúltero con David Soul estaba recreada de manera absorbente, dentro del misterioso asesinato de la millonaria madrastra del marido de ella.

Aparte, Carrie pudo compartir escenario y anécdotas con maestros de la talla de Peter Ustinov, John Gielgud y Lauren Bacall.

Frankenstein (James Ormerod, 1984)

La televisión supuso un refugio de oro para la hija de Eddie Fisher, un medio donde Leia pudo desarrollar de manera más continua su necesidad de ponerse delante de las cámaras.

Entre las obras más destacadas para la pequeña pantalla que protagonizó la estadounidense, está una adaptación para del clásico Vuelve, pequeña Sheba; aunque, una de las más recordadas por la audiencia fue su participación en Frankenstein. La caracterización que realizó de la ambigua Elizabeth sorprendió a los que pensaban que la intérprete naufragaría, al poseer un acento marcadamente norteamericano.

¡Qué la fuerza siempre te acompañe, Carrie Frances Fisher!

AP Photo/ Lucasfilms

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Hayden Christensen inicia con fuerza el nuevo año, con un par de títulos que aumentan la interesante filmografía del actor que dio vida a Anakin Skywalker, en El ataque de los clones y La venganza de los Sith.

El intérprete canadiense tiene previsto aterrizar próximamente en las carteleras con un thriller sobre atracos y secuestros (First Kill) y un drama de tintes apocalípticos (Numb, at the Edge of the End).

El segundo de los largometrajes citados ha llevado a la estrella nacida en la Columbia Británica a rodar en Argentina, país donde trabaja por primera vez en su carrera.

Hayden Christensen (en la foto) ha retomado su faceta artística, después de un parón de cerca de dos años

Tras algo más de un año sin pisar un set de grabación, Hayden Christensen regresó al trabajo a mediados de 2016, para integrar el elenco del filme de acción titulado First Kill.

El espigado Anakin Skywalker había tomado la decisión de alejarse de los focos durante un período prudencial, para estar al lado de su pareja, la también actriz Rachel Bilson, y de su hija recién nacida: Briar Rose.

Un tiempo en el que el norteamericano tuvo ocasión de pensar en cómo retomar las riendas de su trayectoria profesional, después de haber protagonizado el filme de contenido espiritual nominado 90 minutos en el cielo (Michael Polish, 2015).

Una vez estudiadas las diferentes ofertas, Hayden accedió a liderar el equipo artístico de First Kill: un thriller de acción al estilo de American Heist, en el que da vida a un esforzado padre de familia, el cual tiene que perseguir a unos atracadores de bancos que han secuestrado a su pequeño.

Hayden Christensen ha escogido el género de acción y el drama para su vuelta a las carteleras

Pero el citado largometraje no es el único en el que Christensen ha prestado su atractivo rostro; ya que, unos meses finalizado el rodaje de First Kill, el actor confirmó su participación en el filme Numb, at the Edge of the End. Una movie con ciertas conexiones argumentales con la inteligente Take Shelter, que marca el debut en la dirección del documentalista argentino Rodrigo H. Vila.

HAYDEN CHRISTENSEN QUIERE RECUPERAR SENSACIONES

El alejamiento de Hollywood ha servido a la pareja de Rachel Bilson para darse cuenta de que el fenómeno desatado por su fama con Star Wars puede servir también para experimentar con producciones de presupuestos más modestos, y que le permitan crecer a nivel artístico.

Christensen nunca ha ocultado su desapego a ser una movie star en el sentido mediático de la expresión, y siempre se ha interesado por mejorar en sus prestaciones título a título. Según las declaraciones del propio Hayden, la exposición planetaria sufrida con el estreno de El ataque de los clones y La venganza de los Sith le produjo un abismo escénico, que le obligó a parar en seco. Lapso en el que tuvo que plantearse seguir con su carrera de manera más controlada y menos frenética.

Hayden Christensen y su hermano Tove se mostraron muy interesados en participar en la ópera prima del documentalista Rodrigo H. Vila

Fruto de tales reflexiones, HChr escogió el proyecto presentado por el director Steven C. Miller (Los conspiradores) titulado First Kill, para mostrar a sus fans su nueva faceta, renovada por la paternidad asumida y por sus ansias de exhibir recursos más variados ante la cámara.

El guion de esta obra, firmado por Nick Gordon, narra el argumento de un aparatoso robo a un banco, en el que resulta secuestrado un niño. Este pequeño es el hijo de Hayden en la ficción, y en el propósito de los delincuentes está oculta un posible chantaje, ya que no está claro si el preocupado padre es del todo inocente respecto al atraco a la sucursal.

Junto con la vertiginosa evolución temática y la construcción de su rol, Christensen dio su conformidad a participar en el largo por ofrecerle la oportunidad de compartir escenario con Bruce Willis, al que asegura admirar desde que era un crío con muchos sueños de convertirse en actor de cine.

Esta cinta de acción dio paso a la grabación de Numb, at the Edge of the End, que el intérprete de Vancouver  terminó de grabar en Argentina el pasado mes de diciembre. Esta película, que dirige el documentalista Rodrigo H. Vila, sigue la odisea de un veterano de guerra aquejado de estrés postraumático, llamado Kurt Matheson (Hayden Christensen). El militar, licenciado por sus problemas mentales, piensa que el fin del mundo está cerca, por lo que cae en la manos de un falso gurú espiritual (Harvey Keitel), quien le insta a construir un refugio subterráneo.

Todo el mundo piensa que el protagonista es solo un alucinado, pero algo hará que la opinión de sus allegados cambie drásticamente.

La actriz argentina Liz Solari es quien encarna a la pareja de Hayden en el largometraje, después de sustituir a Luisana Lopilato (la actual esposa del cantante Michael Buble).

Con estos dos trabajos, Christensen parece decidido a no abandonar el mundo del espectáculo; lo que es una excelente noticia.

Hayden Christensen busca proyectos que le llamen la atención

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