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Channel: Cine – TLCM

Richard Madden rueda en Creta

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Richard Madden
Richard Madden vuelve a colaborar con Amazon Studios, tras “Citadel”.

Richard Madden se ha desdoblado en dos; así es como el cineasta costamarfileño Philippe Lacôte ha querido presentar al recordado Robb Stark de la serie Juego de tronos, en el metraje de Killer Heat.

El actor británico se ha sometido al complicado proceso de interpretar a dos hermanos gemelos, de los cuales uno de ellos aparece únicamente en forma de flashback; ya que este ha sido encontrado muerto tras caer de una altura considerable, mientras practicaba la escalada en una isla helena. El otro, frío como el hielo, es el principal sospechoso de un asesinato que las autoridades del país catalogan en primera estancia como un simple accidente.

Lâcote toma prestada la base argumental del relato corto titulado El hombre celoso; una ingeniosa y laberíntica historia escrita por el narrador noruego Jo Nesbø en 2021, que el director responsable de La noche de los reyes intenta transformar en un viaje misterioso hacia la psique de tres personajes unidos por la muerte. Este trío de seres, capaces de esconder las cartas que mueven sus acciones más oscuras, está encarnado por el citado Madden, la californiana Shailene Woodley y el angelino Joseph Gordon-Levitt. Toda una apuesta de Amazon Studios, para animar a los espectadores a seguir las tramas en las que se enzarza esta rocambolesca película, que juega con determinación en el terreno del thriller psicológico, estimulado por tentáculos pretendidamente románticos.

Richard Madden
El guion de “Killer Heat” está basado en el relato corto “El hombre celoso”, del noruego Jo Nesbø.

La isla de Creta, con su imponente Villa Faliro, es el escenario principal en el que transcurre el argumento de Killer Heat.

En esas paradisiacas extensiones y playas de arena blanca y deslumbrante, Lacôte ambienta esta cinta de giros sorpresivos y descubrimientos trascendentales. Una obra que se mueve mejor entre las sombras que en la claridad, y donde los individuos que alimentan sus fotogramas exhiben un constante gusto por las tonalidades grises, en cuanto a sus respectivos comportamientos; lo que dota al film de un importante elemento de atracción adictivo.

RICHARD MADDEN SE DUPLICA EN ESTA SINGULAR ADAPTACIÓN DE “EL HOMBRE CELOSO, DE JO NESBO

Jo Nesbø es un autor al que no le suelen interesar los héroes rocosos en sus convicciones, y de curso profesional laureado y reconocido; sino que parece estar más del lado de los tipos a los que la vida les ha moldeado a base de golpes y decepciones. Bajo semejante fórmula humana es como el detective fetiche del literato noruego (el taciturno y ajado Harry Hole) ha alcanzado el estrellato editorial con sus casos.

El alcoholismo de Hole está presente sutilmente en Killer Hat, en la piel del quebrado investigador llamado Nick Bali (Joseph Gordon-Levitt). Este sabueso asediado por numerosos fantasmas de su pasado, hijo de un empresario millonario que nunca supo cómo dar afecto a su vástago, llega a la isla de Creta para hacerse cargo de la muerte de un joven perteneciente a un clan adinerado, que se encontraba en ese lugar de vacaciones junto a su hermano gemelo. El progenitor del fallecido, un hombre bastante influyente, desea saber qué le sucedió realmente a su heredero, y por eso requiere de los servicios de Bali.

Richard Madden
Joseph Gordon-Levitt (en la foto) encarna al detective Nick Bali, en “Killer Heat”.

Según consta en el atestado del trágico suceso, el finado se precipitó desde una altura considerable, mientras escalaba una elevación montañosa. Una actividad para la que contaba con la ayuda de la experta en alpinismo llamada Penelope Vardakis (Shailene Woodley): profesora de enorme magnetismo, que mantenía una relación sentimental con el difunto. Poco a poco, Bali se acerca a una especie de historia cercana a la de Caín y Abel, en la que el supuesto amor fraternal ha podido transformarse rápidamente en odio y destrucción.

Lacôte, como Nesbø en el libro, aprovecha las alusiones a las potentes figuras de Ícaro y Dédalo, para explicar la situación personal del detective protagonista y su progresiva y figurada incineración personal; un recurso que le da pie también para enlazar las pesquisas relativas al asesinato con elementos mitológicos, que enfatizan la atmósfera atemorizante de las localizaciones cretenses.

Más información en 

https://amazonstudios.com

 

 

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Eddie Murphy revoluciona Beverly Hills

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Eddie Murphy
Eddie Murphy regresa con su verborrea expansiva, en “Superdetective en Hollywood: Axel F.”.

Eddie Murphy llevaba casi tres décadas con la intención de grabar la cuarta entrega de Superdetective en Hollywood, pero el asunto no logró salir adelante. Unas veces por la imposibilidad para contratar al elenco ideal, y otras por la endeblez del guion con el que trabajar, la producción estuvo paralizada desde el lejano 1996. Una realidad a la que también contribuyó el bajo rendimiento en salas de Superdetective en Hollywood III (John Landis, 1994).

En 1996, la cinta iba a estar pensada para ilustrar la despedida del elocuente y resolutivo Axel Foley; pero el tiempo transcurrido ha convertido la ocasión en un reencuentro cargado de nostalgia, en el que el investigador de Detriot tiene la misión de reverdecer las emociones pretéritas desatadas entre los espectadores que siguieron sus hazañas en 1984, 1987 y 1994.

Superdetective en Hollywood: Axel F. tira mucho del espejo retrovisor memorístico, con un reparto compuesto por las caras envejecidas de la mayoría de los intérpretes que comenzaron la saga con Murphy en 1984. Entre los más recordados se encuentran Judge Reinhold (el otrora novato Billy Rosewood se ha transformado en un individuo de pelo canoso y algo menos eléctrico que cuando se topó con Axel en plena época de las hombreras de rugby y los peinados lacados) y John Ashton, quien recupera el rol del gruñón y entrañable sargento John Taggart, ahora jubilado y con ganas de volver a experimentar el sabor del peligro, junto a sus colegas Foley y Rosewood.

Eddie Murphy
Eddie Murphy es uno de los intérpretes originales que ha cambiado menos desde el punto de vista del físico.

Este trío es el armazón humano principal de Berverly Hills Cop: Axel F.; aunque a él se une con potencia la urbe de Los Ángeles, a través de la emblemática zona de Beverly Hills. Una localizaciones que igualmente denotan los cambios soportados con el paso de las décadas.

Murphy, Reinhold y Ashton conforman el cuadro artístico aprovechado del pasado; pero también hay nuevas incorporaciones interesantes y determinantes en la trama, como las de Kevin Bacon (el popular protagonista de Temblores encarna al serio capitán Grant), Joseph Gordon-Levitt (como el detective Bobby Abbott) y Taylour Paige (en la piel de Jane, la hija criminalista de Axel Foley).

EDDIE MURPHY EXHIBE LA METAMORFOSIS DE AXEL FOLEY AL COMPÁS DE UNA BANDA SONORA DE RITMOS PASADOS Y PRESENTES

La espera para la elaboración del cuarto episodio de Superdetective en Hollywood ha provocado que el personaje del detective del departamento de policía de Detroit Axel Foley se haya convertido en un veterano ajeno a las reglas; algo así como una mezcla entre Harry Bosch y Harry “El Sucio” Callaham, pero con un gracejo que nunca le abandona (más o menos, como los buenos desodorantes).

Un día, Foley recibe la noticia de la muerte violenta de un antiguo amigo, sucedida en Beverly Hills. En este lugar plagado de estrellas del cine y millonarios, AF vivió sus mejores momentos profesionales; encima, su hija Jane ejerce como abogada criminalista allí. Toda una invitación, que el peculiar investigador no puede desaprovechar.

Nada más aparcar en la misma urbe por la que paseaban en los noventa los chicos de La sensación de vivir, Foley empieza a toparse con un peligroso entramado de corrupción policial; lo que le obliga a recurrir a la ayuda del detective Bobby Abbott (el antiguo novio de su hija), y sus envejecidos colegas Billy Rosewood y John Taggart.

Eddie Murphy
Netflix tiene previsto estrenar “Superdetective en Hollywood: Axel F.” en el verano de 2024.

Lorne Balfe (El caballero oscuro) es el encargado de desplegar la banda sonora de Superdetective en Hollywood: Axel F.; un trabajo lleno de guiños al pretérito de esta serie policiaca. Entre los rescates está la sintonía que se hizo célebre en 1984, y que ahora aparece actualizada con ritmos de hip-hop instrumentalizado.

El director australiano Mark Molloy parece haber cuidado cada aspecto de la historia de Axel Foley, para que esta vuelta no decepcione en exceso a los seguidores de la franquicia, quienes todavía rememoran la frescura e ingenio de la primera entrega (es irrepetible la cascada de sensaciones que generaba escuchar el tema The Heat Is On, en la voz del sorprendente Glenn Frey); o la pegada de la pistolera encarnada de Brigitte Nielsen, en Beverly Hills Cop II (Tony Scott, 1987).

Nota: Netflix tiene previsto el estreno de Superdetective en Hollywood: Axel F. para el verano de 2024.

Más información en

https://netfilx.com

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Joker excita el cine de 2024

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Joker: Folie à Deux
Joker: Folie à Deux es la secuela de la oscarizada “Joker” (2019).

Joker: Folie à Deux es el resultado de la conjunción de varias voluntades un tanto reacias a meterse de lleno en un segundo capítulo de este aclamado spin-off, todas ellas asociadas con su particular carga de egocentrismo artístico. Por un lado, el director Todd Phillips no parecía muy interesado en rodar una secuela de Joker en 2019, pese al éxito que obtuvo este acercamiento distanciado sutilmente de las legendarias viñetas de Batman en DC Comics.

El responsable de Resacón en Las Vegas triunfó con su visión del enemigo del Hombre murciélago de Gotham como un individuo maltratado por la sociedad y por su propia madre, al que no le queda más remedio que estallar a través de la violencia, para escapar de la enfermedad mental que le acorrala emocionalmente, y de la mayoría de sus miedos y complejos acumulados a lo largo de décadas de desafecto. Tal acierto hizo que Warner Bros. Pictures persiguiera a Phillips para que se pusiera trabajar en la continuación del film; algo que el director no hizo hasta tener el visto bueno del carismático Joaquin Phoenix.

Con el tándem formado por Phillips y Phoenix en el proyecto, el resto en la gestión de Joker: Folie à Deux fue mucho más sencillo. Al poco de recibir el guion, Lady Gaga no dudó en unirse a la película, en la piel de la excesiva y extravagante Harley Quinn (un personaje que los espectadores recuerdan bajo el físico de la australiana Margot Robbie, en El escuadrón suicida).

Tales elementos constitutivos, más el libreto original de Phillips y Scott Silver, fueron el suficiente aval para que los motores de las cámaras digitales se pusieran a funcionar, con la misión de dotar a este inquietante relato de un profundo acercamiento de naturaleza sombría y voluntariamente tenebrosa.

Joker: Folie à Deux
Joker: Folie à Deux arranca en el hospital psiquiátrico de Gotham.

En similar sintonía visual a la ofrecida por Joker, esta segunda entrega juega con los toques vintage y setenteros, para reforzar la parte creativa que aportan las localizaciones. Una labor en la que tiene mucho que ver el director de fotografía Lawrence Sher, quien ha confesado la inspiración obtenida por Vittorio Storaro, y de la deslumbrante escenificación que el maestro italiano desplegó en Corazonada (Francis Ford Coppola, 1981).

De esta manera, Sher reproduce en el objetivo de la cámara lugares tan emblemáticos como los juzgados de Nueva York (los mismos en los que fue convocado el mediático Donald Trump), la estación de West 167th en el Bronx y el abandonado sanatorio psiquiátrico de Essex County, en Nueva Jersey.

JOKER: FOLIE À DEUX PROMETE CALENTAR LAS SALAS CON LA REVOLUCIÓN CONJUNTA DE ARTHUR FLECK Y HARLEY QUINN

Al finalizar Joker, los espectadores asistían atónitos al delirio homicida de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), ya canibalizado enteramente por el fantasma sonriente que desborda rabia y visceralidad. Internado en el instituto psiquiátrico de Arkham, este hombre ha experimentado previamente el descontrol mental, después de asesinar a los que amargaban su existencia, sin tener sentimientos de culpa por las acciones llevadas a cabo. El maquillaje de payaso que se extiende por su rostro parece ocultar cualquier atisbo de conciencia, y se entrega sin reservas a desencadenar sus instintos más reprimidos y salvajes.

Dentro del hospital, Fleck es enviado a la terapia de la psiquiatra Harleen Qinzal (Lady Gaga), quien no puede evitar enamorarse del paciente, al que ve como alguien que intenta huir del caparazón que oprime su oscura y atemorizante grandeza. Mientras, en las calles de Gotham, los habitantes de la ciudad parecen hipnotizados por el becerro de oro que representa el capitalismo y por la rebelión de los desheredados, en un sentido parecido al mostrado en V de Vendetta (James McTeigue, 2005).

Joker: Folie à Deux
Joker: Folie à Deux no es, como la primera parte, una película de superhéroes.

Uno de los grandes aciertos de la primera entrega de Joker: Folie à Deux reside en su habilidad para no integrarse en la calificación de ser una película de superhéroes, a pesar de que mantiene una dependencia obvia respecto a la figura invisible de Batman y de los cómics de DC. Esta peculiaridad la ejecutó Todd Phillips en 2019 mediante su empeño en no echar mano de la pirotecnia habitual de efectos especiales, para exhibir una galería de personajes creíbles y vulnerables, dañados por los mismos males que se pueden encontrar diariamente en el mundo actual.

La denuncia que hace Phillips de las carencias de la salud mental en los sistemas públicos de protección es verosímil y sensible, lo que humaniza en todo momento el rol de Arthur Fleck; algo que nunca se había planteado en las movies anteriores de Batman. Un efecto de realismo que provoca que los espectadores piensen más que el argumento transcurre en la urbe de Nueva York en los años setenta del pasado siglo XX, que en la ultramoderna y agresiva ciudad de Gotham.

Nota: Joker: Folie à Deux tiene previsto su estreno en USA para el 4 de octubre de 2024.

Más información en

https://www.warnerbros.com

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Jeremy Irvine da vida a Silent Hill

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Jeremy Irvine
Jeremy Irvine encarna al angustiado James Sunderland, en “Return to Silent Hill”.

Jeremy Irvine ha tenido que actuar con un acentuado dramatismo escénico, para encarnar al atormentado James Sunderland: el rol principal de Return to Silent Hill.

Este hombre solitario y perdido le ha servido al actor británico de La mujer de negro 2 para cultivar sus dotes de tenebrismo romántico, y meterse de lleno en la turbulenta realidad de un personaje ideado para ser el guía de uno de los videojuegos más exitosos del historia.

Desde su aparición en 2001, Silent Hill 2 marcó el camino de una saga ideada para convertirse en un game de supervivencia al estilo de diversión que demandan los clientes de Playstation, un producto desarrollado a partir de una línea similar a la ejercida por Resident Evil y Assasin’s Creed.

Tal era el potencial tétrico de las localizaciones cibernéticas de naturaleza espectral de Silent Hill 2, que el director francés Christophe Gans no ha dudado en adaptar el relato para elaborar una inquietante cinta, casi dos décadas después del estreno de la película inspirada en el primer juego de Silent Hill .

El capítulo precedente de Return to Silent Hill llegó a la carteleras en 2006, con la australiana Radha Mitchell en el papel de Rose: una madre adoptiva que se adentra en la urbe fantasmal de Silent Hill para rescatar a su hija, desparecida entre las brumas del Más Allá.

La película mostró un barroquismo excesivo, con ciertas influencias de Clive Barker y del excesivo recargamiento de David Cronenberg. Sin embargo, no logró generar un nivel de expectación semejante al del videojuego en el que el film estaba basado.

Jeremy Irvine
El videojuego de “Silent Hill 2” da peso argumental a “Return to Silent Hill”.

Los diecisiete años que median entre las dos partes de esta saga han permitido a Gans descubrir que el mundo de los videojuegos y el de las obras cinematográficas no tienen que coincidir necesariamente en sus respectivos intereses y atractivos artísticos. No en vano, numerosas adaptaciones de exitosos productos pensados para ser degustados por medio de un joystick no han funcionado muy bien en las salas de proyección.

Quizá, el tropiezo de Silent Hill ha provocado que Return to Silent Hill empiece desde cero, con una versión centrada totalmente en Silent Hill 2, y sin los aperos pirotécnicos que la cinta de 2006 desplegó a lo largo de un guion algo farragoso y bastante laberíntico en su evolución.

JEREMY IRVINE INTENTA SOBREVIVIR A LAS AMENAZAS DE UN LUGAR TAN PELIGROSO COMO SILENT HILL

De las narraciones de Edgar Allan Poe y las fantasías de H.P. Lovecraft a las novelas de Stephen King, las referencias visuales y narrativas de Return to Silent Hill son diversas, y altamente creativas en sus tesis genéticas. Un compendio de sorpresas continuas y giros dramáticos sorpresivos, que alimentan cada una se las secuencias del guion escrito por William Josef Schneider, Keichiro Toyama y Christophe Gans.

Las extensiones de Alemania (con Múnich y Nuremberg, como parte central de las localizaciones), Serbia y Reino Unido han permitido al nutrido equipo de Gans dotar de corporeidad visual a esta historia que se mueve entre la realidad y la pesadilla, y en la que se pone de manifiesto la carga humana y romántica de un viudo en busca de la mujer de su vida, fallecida en circunstancias trágicas.

Jeremy Irvine
Jeremy Irvine sustituye a Radha Mitlchell, como protagonista de esta segunda entrega de “Silent Hill”.

Como una especie de Dante empeñado en salvar a su Beatriz de las llamas del infierno, James Sunderland (Jeremy Irvine) se dirige a los confines de la razón, que configuran el territorio de Silent Hill: un lugar dominado por fuerzas malignas, y en el que existe una influencia demoniaca que impide que entre la claridad. Allí, el desesperado James tiene que luchar intensamente para no perder su invisible lazo con el mundo de los vivos, y evitar caer totalmente en el abismo que se abre tras las arenas criminales del camposanto denominado La colina silenciosa.

La labor fotográfica del español Pablo Rosso (Mientras duermes) contribuye a vestir de miedo latente cada callejón y arteria del macabro escenario en el que se adentra el papel de Jeremy Irvine. Una prolongada pintura negra pergeñada por códigos binarios, que intenta rescatar a la saga de videojuegos de la ligera decepción que supuso la película de 2006, para dotarla de un nuevo impulso de fotogramas enlazados.

Nota: Return to Silent Hill cuenta con la financiación de Maze Pictures, Metropolitan Filmexport, Davis Films y The Electrtic Shadow Company.

 

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Aki Kaurismäki y sus hojas caídas

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Aki Kaurismäki
Aki Kaurismäki muestra la profundidad sentimental de dos seres sin artificios, en “Fallen Leaves”.

Aki Kaurismäki se ha convertido, película tras película, en uno de los cineastas más sólidos y valorados de Finlandia y del resto de Europa. Su estilo depurado y pródigo en conexiones con reconocidos maestros del celuloide le ha otorgado una manera especial e hipnótica de acercarse a las historias que moldea con su cámara, una fórmula activa y calórica que normalmente viene acompañada de un empuje humanista claro y omnipresente.

El Havre (2011), Un hombre sin pasado (20o2) o El otro lado de la esperanza (2017) son algunos de los títulos más celebrados de este artesano de las realidades vulnerables, sumidas en la mayoría de las ocasiones en conflictos que van de lo individual a lo colectivo, para desembocar en tesis analíticas de profundidad universal, relativas a la difícil existencia en el distópico universo de la pobreza, de la falta de empatía, de la incapacidad para establecer comunicaciones afectivas de calidad y de la marginación por edad, cuenta corriente, raza, religión o nacimiento.

Los personajes que componen la filmografía de Aki Kaurismäki tienen en común una tristeza crónica, aunque la manifiestan sin sentidos desoladores de tragedia agresiva, con una visión casi humorística de sus respectivos problemas.

Dentro de esta concepción del universo terráqueo, Fallen Leaves representa una de las obras más esperanzadoras del director nacido en la región finlandesa de Orimattila, un trabajo enlazado argumentalmente con una relación amorosa con la suficiente fuerza como para derribar los muros invisibles de un entorno sumamente hostil, que intenta acabar con el sentimiento compartido entre la callada Ansa y el alcoholizado Holappa.

Aki Kaurismäki
Aki Kaurismäki diseña un hermoso canto en favor del amor romántico.

Como en el resto de los films de AK, Fallen Leaves sincroniza a la perfección las imágenes y la banda sonora, alimentada con temas tradicionales y canciones de rock añejo y rítmico. Un recurso que le sirve para marcar los diferentes momentos anímicos de los protagonistas, muy en la línea a lo que consiguió Jacques Demy en Los paraguas de Cherburgo, pese a que Kaurismäki no encuadra su movie en el extravagante género del musical ajeno a las partes dialogadas.

Todo ello genera un torbellino de emociones sensitivas, que favorece el despliegue de una atmósfera atrayente, destinada a enriquecer la exposición de las vicisitudes de Ansa y Holappa.

AKI KAURISMÄKI MUESTRA SU HABILIDAD PARA QUE “FALLEN LEAVES” ENGANCHE A LOS ESPECTADORES A TRAVÉS DE LAS IMÁGENES Y DE LA MÚSICA

Resulta estimulante encontrar en la cartelera actual a un creador como Aki Kaurismäki, alejado de la dictadura de la comercialidad a costa de cualquier otro elemento consustancial a una producción cinematográfica de calidad. El director finlandés ejerce su libertad en un sentido pleno, para abordar sus guiones desde una perspectiva nutrida por un marcado compromiso con los individuos que pueblan el metraje de sus distintos films.

En el caso de Fallen Leaves, la estética casi de la época de influencia soviética (en algunos instantes, la movie retrotrae la mente a algunas de las cintas del polaco Andrzej Wajda (El director de orquesta) y del ruso Nikita Mikhalkov (Ojos negros), recurso que ayuda a AK a reflejar la opresión que sienten los protagonistas, frente a una sociedad sumamente clasista y empeñada en denostar a una clase obrera dormida y sometida por el yugo de la asfixiante burocracia.

Aki Kaurismäki
Aki Kaurismäki parte de lo individual, para analizar la sociedad finlandesa.

Hipnótica y deslumbrante en su exposición, nudo y desenlace, Las hojas caídas revela el virtuosismo sin elitismos que practica Kaurismäki con naturalidad; en el que es posible localizar hilos comunicantes con la Nouvelle Vague y con los folletines por entregas de autores de novela rosa.

Una mixtura interesante y sorprendente, donde las casualidades del relato se circunscriben a una narración de cuento de hadas, en la que el afecto apasionado e ingenuo de Ansa y Holappa se superpone a cualquier posible tropiezo descriptivo.

El responsable de Un hombre sin pasado concita, en los ochenta y un minutos que dura Fallen Leaves, un particular homenaje a la historia del séptimo arte de cualquier época y género.

Solo así es posible encajar los ecos nostálgicos de las movies de Charles Chaplin que se cuelan sinuosamente a través de las escenas en las que Alma Pöysti (Ansa) y Jussi Vatanen (Holappa) se alejan hacia el horizonte de un parque de Helsinki, acompañados de un pequeño perro adoptado por la mujer.

Nota: Fallen Leaves llega este viernes a la cartelera española.

Se recomienda disfrutar sin complejos con las secuencias del karaoke.

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Harrison Ford ficha por Marvel

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Harrison Ford
Harrison Ford ya interpretó a un presidente ficticio de USA, en “Air Force One”.

Harrison Ford cumplirá, el próximo 13 de julio, ochenta y dos años, una edad lo suficientemente pródiga en experiencias cinematográficas vertiginosas, casi siempre asociadas con papeles de tipos heroicos y esforzados. La cosa comenzó con el pirata espacial Han Solo, en la primera trilogía de La guerra de las galaxias; y alcanzó sus cotas máximas de identificación icónica con Indiana Jones.

El pasado verano, Harrison Ford lució por última vez el enérgico vestuario del arqueólogo Indiana Jones, para enfocar su carrera hacia otros individuos menos arriesgados que el protagonista de En busca del arca perdida. Aunque la rebaja de adrenalina fílmica no implica necesariamente un retiro de los roles que han cimentado la carrera de un actor al que ya se consideraba mayor en sus inicios, cuando aterrizó al mando del Halcón milenario con tan solo treinta y cinco primaveras (a veces, los informadores de la actualidad cinematográfica deberían revisar sus calificaciones relativas a la juventud y madurez de los actores y actrices).

Tras un tiempo de recomendada reflexión dramática en el mítico Oeste norteamericano (1923), el inolvidable  agente Deckard de Blade Runner regresará a las pantallas en la piel del presidente Thaddeus “Thunderbolt” Ross, dentro del film Captain America: Brave New World, a las órdenes del director nigeriano Julius Onah (Luce). Este ingreso en el universo Marvel le viene a la estrella nacida en Chicago después del inesperado y trágico fallecimiento en 2022 del camaleónico William Hurt, quien encarnó a Thunderbolt en la miniserie The Falcon and the Winter Soldier.

Harrison Ford
William Hurt (en la foto) encarnó el papel de Harrison Ford en la miniserie “The Falcon and the Winter Soldier” y en el film “Captain America: Civil War”.

Harrison Ford ya se pasea por el set de grabación con el enorme y visible mostacho que adorna el físico de Thaddeus Ross: un rasgo que marca la inflexible y valiente personalidad de un tipo que se ganó el prestigio durante su etapa como general del ejército estadounidense, y que supo canalizar su talento para el liderazgo por medio de la política, a partir del cargo de secretario de Estado.

HF cumple así con su deseo latente de volver a habitar la Casa Blanca, veintisiete años después de que el intérprete de Armas de mujer diseñara la psique de un alto mandatario de la nación de las barras y estrellas llamado James Marshall, en la película Air Force One.

HARRISON FORD SE SIENTA EN EL DESPACHO OVAL, PARA COMANDAR LAS ACCIONES DEL NUEVO CAPITÁN AMÉRICA

El fichaje de Harrison Ford por Marvel sirve también para que Walt Disney Studios potencie el despegue del nuevo Capitán América, en sustitución del exitoso Chris Evans.

Concebida como un secuela en formato de celuloide de la miniserie The Falcon and the Winter Soldier, Captain America: Brave New World pone en primer plano a Sam Wilson, como el regenerado superhéroe del escudo estilo pop art. Un papel que agarra entre sus manos el actor de Nueva Orleáns Anthony Mackie (Ladrones), con el objetivo de presentarlo ante las audiencias como un individuo de duro carácter y turbio pasado, al que los espectadores han visto ya en varios títulos de la saga. Un tipo que el propio Mackie ha definido como una traslación humana de la letra de la canción Hit’Em Up, de Tupac Shakur.

Harrison Ford
Harrison Ford inicia una nueva etapa profesional, con “Captain America: Brave New World”.

Tras el atril presidencial y escoltado por un ejército de guardaespaldas, Harrison Ford parece un señor bastante distante del ajetreado profesor Indiana Jones, del dicharachero Han Solo, del solitario Rick Deckard y del honorable Jack Ryan. Incluso, Thaddeus “Thunderbolt” Ross tiene pocas cosas en común con su homólogo James Marshall; sin embargo, el gusto por el cine de acción sigue muy presente en la filmografía de HF.

Quizá, acreditar más de ocho décadas de existencia haya obligado al esposo de Calista Flockhart a sentar su dolorida anatomía; y a aposentar sus virtudes escénicas sobre un alter ego con menos propensión al riesgo.

No obstante, seguro que el protagonista de Indiana Jones y el templo maldito aún hará algún que otro guiño a su pretérito como héroe aguerrido e indestructible.

Ya se sabe: donde hubo fuego, siempre quedan ascuas…

Más información

https://www.disneystudios.com

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The First Omen, la profecía vuelve atrás

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The First Omen
The First Omen centra su argumento en la gestación de Damien.

The First Omen retoma el camino emprendido por la tetralogía iniciada en 1976 con la inquietante cinta La profecía; y viaja al pasado, para mostrar cómo pudo llegar al mundo la “bestia” marcada con los tres seises escondidos bajo su abundante cabellera. Un ángel caído conocido en la pantallas como Damien Thorn, el cual consiguió en el primer capítulo acabar con la vida del embajador caracterizado por Gregory Peck.

Pese a que entrega inicial (dirigida por Richard Donner, en 1976) es la que goza de mayor crédito entre la crítica y el público, la historia de la lucha eterna entre el Bien y el Mal de naturaleza ancestral que narra la saga ha mantenido el interés de los espectadores a lo largo de las décadas, después incluso del tibio remake elaborado por John Moore en 2006.

Tras el escaso entusiasmo despertado por citada actualización de Moore, la cineasta Arkasha Stevenson (Legión) ha optado por inventarse un nuevo marco escénico, subida al carro del guion diseñado por Tim Smith, Keith Thomas y la propia Stevenson, según un relato pensado por Ben Jacoby, con la utilización de algunos de los personajes creados en 1976 por David Seltzer.

The Frist Omen
The First Omen intenta volver a potenciar el terror psicológico de muchas producciones de los setenta.

Si se hace un análisis más o menos profundo sobre las aportaciones al género de los sustos por parte de La profecía, lo que se saca en claro es que Richard Donner siguió una técnica muy similar a la usada por su colega William Friedkin, en El exorcista.

Esta fórmula se distinguía por provocar el miedo entre los espectadores mediante efectos de maquillaje medidos y sutiles, mientras el resto corría de parte de la delirante acción rodada con planos distorsionados voluntariamente, y cuyos trazos estaban construidos en torno a continuas referencias bíblicas.

Tanto La profecía como El exorcista jugaban con imaginación con los conceptos de lo que es tabú y de la ambivalencia de las creencias espirituales, para desencadenar un sinfín de sensaciones al límite de la cordura, matizadas por sendas bandas sonoras de explosivas connotaciones rítmicas (Tubular Bells de Mike Oldfiled puso melodía a El exorcista, mientras que el increíble Jerry Goldsmith lo hizo con La profecía).

THE FIRST OMEN SE ENFRENTA CON EL PROBLEMA DE EQUILIBRAR EL TERROR PSICOLÓGICO CON EL USO EXCESIVO DE LOS EFECTOS VISUALES

El terror de los años setenta tiene muy poco en común con el que revienta las taquillas en el siglo XXI: un horror palomitero que es más efectista, que el netamente desconcertante y espectral propio de la década de las patillas crecidas y los pantalones campana.

Este cambio en las predilecciones de las audiencias ha conllevado a una falta de pegada en muchos de los reboots que se han estrenado últimamente, inspirados en celebradas cintas de la época de los vinilos y los peinados cardados. La más reciente de estas operaciones destinadas a exhibir la mencionada tendencia es El exorcista; cuya resucitación en 2023, bajo el título de El exorcista: Creyente, no consiguió llevar a los aficionados a las salas, por lo menos no en la misma medida en que lo hizo El exorcista, en 1973.

Probablemente, Arkasha Stevenson haya tenido en mente las producciones de Hammer Films y los hallazgos de Richard Donner utilizados en The Omen, más que las obras que intentan esconder sus carencias argumentales con una orgía de efectos visuales que merman la verosimilitud y el impactante realismo.

The First Omen
The First Omen pretende seguir la línea marcada por Richard Donner, en “La profecía”.

Ni un cargamento de apariciones de ultratumba dibujadas por los parámetros informáticos de un programa de ordenador pueden mejorar los gestos de Billie Whitelaw, como la siniestra Mrs. Baylock de La profecía setentera. Un dato que indica que los horrores sin artificios funcionan mucho más intensamente que los gestionados a través de los códigos binarios.

En este sentido, el tráiler oficial de The First Omen y las líneas básicas de su trama animan a pensar que Stevenson ha optado por una senda más de trascendencia psicológica, que de desparrame sanguinolento.

Según la trama dada a conocer a los medios de comunicación, esta precuela de The Omen centra su atención en una misteriosa y atemorizada mujer americana, que es enviada a trabajar a una iglesia de Roma. Un destino que le deparará una insoportable pesadilla, en la que el Apocalipsis se antoja como algo cercano e inevitable.

La actriz británica Neil Tiger Free (The Servant) lidera el elenco interpretativo en este espeluznante film, en el que también colaboran Billy Nighy (Mamma Mia!), Sonia Braga (El beso de la mujer araña), Charles Dance (Juego de tronos) y Ralph Ineson (el actor de La bruja encarna al padre Brennan, a quien interpretó previamente Patrick Troughton, en La profecía de 1976).

Nota: The First Omen tiene previsto su estreno en USA para el próximo 5 de abril de 2024.

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Gerard Butler busca “La divina comedia”

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Gerard Butler
Gerard Butler flirtea en “In the Hand of Dante” con un género distinto al de la acción desenfrenada.

Gerard Butler es una más de las célebres movie star provenientes de Hollywwod que aterrizaron en Sicilia el pasado mes de octubre. Una operación que comandaba el cineasta y artista plástico Julian Schnabel (Antes que anochezca), para completar el sorprendente elenco interpretativo de In the Hand of Dante (la última película del creador neoyorquino, después del éxito de Van Gogh, a las puertas de la eternidad).

La historia de la cinta está basada en la novela homónima de Nick Tosches (quien también ejerce como guionista, junto al propio Schnabel), y reproduce la intensa búsqueda de la verificación de un manuscrito de La divina comedia, supuestamente redactado por la mano del inmortal Dante Alighieri.

Una carrera a contrarreloj y con demasiados postores de por medio, que está narrada en dos tiempos muy diferentes: el siglo XIV y el mercantilista y confuso tercer milenio.

Julian Schnabel consigue finalmente ver cómo su proyecto se ha transformado en un film de laberíntico curso dramático, después de que Johnny Depp suspendiera su participación en el largometraje como protagonista.

El actor de Piratas del Caribe adquirió los derechos de reproducción de la novela de Tosches en 2008, y eligió al cineasta de La escafandra y la mariposa como el ideal para materializar su elaboración. Sin embargo, numerosos obstáculos impidieron a Depp ponerse al frente de la obra, por lo que tuvo que ser sustituido por el camaleónico Oscar Isaac.

Gerard Butler
La película de Julian Schnabel se basa en la novela homónima de Nick Tosches.

Tras la contratación de Issac, los responsables del casting tuvieron que hacer encaje de bolillos para animar a Jason Momoa, Gal Gadot, Al Pacino, John Malkovich, Franco Nero y Gerard Butler para que se presentaran en las localizaciones sicilianas en las que comienza la trama, acción que se desarrolla igualmente en Nueva York.

Un itinerario de lugares emblemáticos, al que el músico y actor Benjamin Clémentine (Dune) pone melodías, aparte de incorporarse al cuadro dramático con un papel entre el pasado y el presente, mitad demonio y mitad humano (un ser semejante al inquietante Calibán de La tempestad, de William Shakespeare).

GERARD BUTLER SE HA DEBIDO SENTIR CÓMODO TRABAJANDO A LAS ÓRDENES DE UN CREADOR TAN PECULIAR COMO JULIAN SCHNABEL

El argumento de In the Hand of Dante tiene lugar en dos tiempos alejados por centurias el uno del otro.

Por un lado, la Italia del siglo XIV descubre la emocionante aventura intelectual llevada a cabo por el poeta Dante Alighieri, cuando concibió los determinantes mundos de La divina comedia. Un período en el que Schnabel puede ambientar las luchas intestinas entre artistas y mecenas, censores y familias nobiliarias, popes del dogmatismo religioso y pensadores ansiosos de obtener un poco de libertad para soñar a través de las palabras.

De ese tiempo remoto y entre luces y sombras, la trama salta al año 2001, donde un amante de los libros (personaje ficticio que hace las veces de Nick Tosches) se topa con una edición de La divina comedia escrita supuestamente por la mano del propio Dante. Nadie se atreve a acreditar certeramente la autoría de un manuscrito que ha viajado a Nueva York desde la biblioteca vaticana, pero son muchos los que desean poseer semejante joya de la literatura.

Gerard Butler
La divina comedia sigue siendo uno de los libros más misteriosos y fascinantes de la historia.

A partir de esos escenarios, el argumento revela una diversificación de los personajes en dualidades inquietantes, que dotan de pistas simbólicas a los meandros edénicos que vienen a metamorfosearse en las tres partes en las que se divide el arco divino para las almas de los muertos: Infierno, Purgatorio y Cielo.

Según el libro de Nick Tosches, la elección de ambientar el argumento en 2001 da pie para hacer referencia a los atentados del 11-S en Nueva York y Washington, incluso para mencionar las sátiras demoníacas entonadas por los Rolling Stones. Una epopeya de signo poético en la que hay misterios insondables, interferencias de redes mafiosas, muertes insospechadas y persecuciones vertiginosas.

Nota: El equipo de In the Hand of Dante ha efectuado la grabación del film en Sicilia, Verona, Venecia, Roma y Nueva York.

 

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Brad Pitt y George Clooney se divierten

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Brad Pitt
Brad Pitt interpreta a un tipo violento, que debe compartir su misión con un inesperado colega.

Brad Pitt y George Clooney no coincidían en un rodaje desde 2008, cuando ambos protagonizaron el film Quemar después de leer, bajo las órdenes de Ethan y Joel Coen.

Mucho antes de eso, en 2001, los dos sex symbols habían encabezado el casting de Ocean’s Eleven, y de las dos entregas posteriores, donde desarrollaron un especial sentimiento compartido en su manera de ironizar respecto al mundo de Hollywood, y sobre el uso que hacían de su fama los hombres supuestamente atractivos y conquistadores, grupo en el que ambos estaban catalogados a nivel mediático.

Tal fue el feeling, que Brad Pitt se planteó no hace mucho aparcar su carrera como actor, y dedicarse a producir, solo para seguir el camino de su amigo George.

No obstante, ponerse delante de las cámaras es una necesidad bastante potente para las dos estrellas del celuloide, y encima han descubierto que los sesenta son los nuevos treinta (sobre todo tras teñirse alguna que otra cana); lo que les ha animado a seguir usando su sex-appeal para prolongar su leyenda como galanes cinematográficos.

La conexión es tal que, cuando el tándem recibió la oferta de Jon Watts para compartir títulos de crédito en Wolves, Pitt y Clooney no dudaron en bajarse notablemente sus respectivos cachés, simplemente para disfrutar de un trabajo cómodo y gratificante en compañía el uno del otro, con el que también olvidar las secuelas del confinamiento por causa de la epidemia de coronavirus.

Brad Pitt
Brad Pitt y George Clooney coincidieron por primera vez en “Ocean’s Eleven”.

Aunque se saben muy pocos datos sobre el guion, diseñado por el propio Watts, sí ha trascendido que el relato centra su atención en los personajes de Brad y George, a los que retrata con numerosos tics y anécdotas trascendentales en sus múltiples tareas ejecutadas en ambientes peculiares; lo que les moldea como humanos vulnerables y elocuentes, a pesar de que buscan realizar compromisos profesionales de dudosa legalidad.

Por las fotografías del rodaje, los buenos momentos han protagonizado las diferentes jornadas de grabación, en las que Pitt y Clooney portan idéntico vestuario, quizás para que los espectadores escojan a quién le queda mejor la cazadora de cuero.

BRAD PITT Y GEORGE CLOONEY PASEAN POR NUEVA YORK EN PLENA NOCHE, AMBOS CON EL MISMO VESTUARIO Y ANIMADOS POR CONSTANTES CHASCARRILLOS

La filmografía de Jon Watts es un compendio de títulos de naturaleza imaginativa, en la que hay espacio para el cine de superhéroes (Spider-Man) y para un tipo de producciones de adrenalina humeante y neurosis acelerada, como Coche policial. Esto hace suponer que Wolves puede exhibir cierta conexión inspiradora con Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, con los míticos Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) transformados en dos individuos con la planta y el discurso sarcástico que despliegan Brad Pitt y George Clooney.

Si la cosa va por el lado de los sicarios singulares, el asunto puede remitir también a Asesinos, de Richard Donner, en la que Sylvester Stallone metía en vereda a un matón joven y vehemente, caracterizado por Antonio Banderas.

Cazarrecompensas, ladrones o personal mafioso… Las opciones son varias, para encuadrar los roles de Pitt y Clooney; y los responsables del film no sueltan prenda. Lo único que se puede asegurar es que se trata de unos hombres dados a la violencia, la cual ejecutan con notables dosis de humor negro.

Brad Pitt
Brad Pitt y George Clooney coincidieron por última vez en “Quemar después de leer”.

Apple Tv+, Plan B. Entertainment y Smokehouse Pictures son las compañías encargadas de la financiación de Wolves; a través de un presupuesto no muy alto, que intenta potenciar el componente cómico por encima del de los crímenes sanguinarios, con el fin de enfatizar la empatía que transmiten los rostros de su icónica pareja de “solucionadores” de problemas.

Junto a Clooney y a Pitt, Amy Ryan (Adiós pequeña, adiós) y Austin Abrams (Ciudades de papel) integran el elenco de esta pintoresca movie, la cual que evoluciona en función de la fotogenia y la buena sintonía de George y Brad para escenificar el universo neoyorquino en el que transcurre la trama (según algunos testimonios, el argumento es convenientemente delirante y surrealista en esencia).

Nota: Wolves tiene previsto su estreno en salas para el próximo 20 de septiembre de 2024.

Más información en

https://www.sonypictures.com

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Marisa Abela encarna a Amy Winehouse

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Back to Black
Marisa Abela ha captado la icónica gestualidad de Amy Winehouse, en “Back to Black”.

Marisa Abela no esconde su admiración hacia la cantante del peinado con forma de colmena de abejas, la cual desembarcó en el laberíntico universo de la música simplemente acompañada por su excelente voz de contralto, y su capacidad para fusionar géneros en los que el sentimiento superaba a las pirotecnias de los laboratorios sonoros.

Con solo dos discos en el mercado, Amy Winehouse se convirtió en una de las cantantes más importantes de nacionalidad británica, reconocida en galas tan importantes como la de los premios Grammy (se alzó con cinco galardones, por su álbum Back to Black). Unas gestas que han marcado la interpretación de Marisa Abela, a partir del momento en que la directora inglesa Sam Taylor-Johnson la escogió para transformarse en la excesiva y trágica Amy Winehouse, dentro del film Back to Black.

Desde poco después de la dramática muerte de Winehouse, ocurrida en su apartamento londinense de Camden Town el 23 de julio de 2011, la industria del celuloide ha intentado levantar un biopic sobre esta misteriosa y escurridiza creadora de trazos desconcertantes, nacida en el norte de Londres; pero los diferentes proyectos acababan desestimados, debido a sus fallos a la hora de acercarse de manera verosímil al mundo caótico y psicodélico de la brillante intérprete de You Know I’m No Good.

Y así se mantuvo, hasta que los familiares de la estrella de Frank vieron la propuesta de Sam Taylor-Johnson y el guionista Matt Greenhalgh (Control) como la más sincera y acertada.

Back to Black
Marisa Abela ha extremado sus dotes de observación, al recrear los rituales escénicos de Amy Winehouse.

La ciudad regada por el río Támesis ha sido el inmenso plató urbanístico con el que ha contado Taylor-Johnson para ambientar la movie. Unas localizaciones que exhiben parte de los lugares que frecuentaba Amy Winehouse en vida.

Los estilosos y prohibitivos barrios de Candem Town y Primrose Hill, la zona de Southgate donde la artista creció, el Ronnie Scott’s Jazz Club que acogió las primeras actuaciones de Amy y los estudios Metrolpolis de Chiswick son solo algunas de las paradas por las que ha transitado el nutrido equipo de la película, comandado por la directora de fotografía Polly Motgan (Legión).

Semejante esfuerzo visual dota a Back to Black de un ingrediente emotivo y atmosférico, que valorarán en su justa medida los miles de seguidores de la impactante e inolvidable AW.

MARISA ABELA IMITA CON ESTILO CADA GESTO Y MIRADA DE LA HUIDIZA WINEHOUSE, EN UN INTENTO POR TRANSMITIR SU ASFIXIA EMOCIONAL

Nacida en Brighton (Inglaterra), en 1996, Marisa Abela ha recibido su protagonismo en Back to Black como la oportunidad artística con la que siempre había soñado. Hasta la fecha, la escasa filmografía de la actriz inglesa únicamente mostraba una pequeña colaboración en Barbie (Greta Gerwig, 2023); aparte de participaciones televisivas en seriales de reconocido éxito, como COBRA e Industry. Sin embargo, aún faltaba un trabajo de envergadura con el que desplegar su talento a un nivel planetario, y ese le la venido con el biopic de Amy Winehouse.

La fama y reconocimiento de AW causó algo de miedo y consternación en Abela en un primer momento, pero pronto superó los temores, cuando Sam Taylor-Johnson le dio las guías necesarias con las que enfrentarse a una persona con tantas aristas psíquicas como era la autora de Frank.

Back to Black
Marisa Abela se adentra en la psique de Amy Winehouse.

Los abismales cambios de humor, la timidez enfermiza, la necesidad de dependencia sentimental, la inseguridad afectiva… Las coordenadas humanas del personaje de Amy Winehouse mantienen la caracterización de Marisa Abela en un constante desequilibrio coreográfico de tonos altos y bajos, como si se tratara de una partitura jazzística de armonía acelerada, o de un blues de notas nerviosas y apremiantes.

El guion de Matt Greenhalgh entra en el infierno que experimentó Winehouse con su dependencia excesiva del alcohol y las sustancias dopantes, muchas veces motivada por el rechazo del que consideraba el hombre de su vida: el conflictivo Blake Fielder-Civil (papel que interpreta el camaleónico Jack O’Connell, en Back to Black).

Todo un viaje de veintisiete años, que finalizó en el apartamento que Winehouse tenía en Camden Town. Un drama alternado por la admiración desatada de los fans y los conciertos multitudinarios hacia una artista perdida en la barahúnda del éxito y el terror que sentía esta a no alcanzar la felicidad a nivel personal. Una alternancia a la que Marisa Abela accede tras la pantalla de la mujer que jugó peligrosamente con la autodestrucción progresiva.

Nota: Back to Black tiene prevista su fecha de estreno para el próximo 18 de abril de 2024.

Más información en

https://www.focusfeatures.com

https://www.studiocanal.co.uk

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